Arte e Cultura Italiana

Desde o início dos anos 1990, o artista italiano Maurizio Cattelan está sendo considerado um dos provocadores mais importantes da arte contemporânea. Por essa razão, o blog Benini & Donato Cidadania Italiana abordará mais informações a respeito de seus trabalhos, obras e legado.

E se você ainda não leu sobre sua infância e início dos primeiros trabalhos, então, clique em Parte I e leia. Confira abaixo mais detalhes nessa Parte II.

Biografia de Maurizio Cattelan – Período de amadurecimento na arte

O minimalismo também informa a esfera social e os relacionamentos de Cattelan. Sendo assim, muitos de seus amigos, colegas, familiares e parceiros românticos observam que ele prefere ficar sozinho. E não gosta de se aproximar ou ter intimidade com muitas pessoas.

Desse modo, quando em público, Cattelan é conhecido por ser enigmático, dançando entre o mesmo tipo de extremos emocionais que ele apresenta em sua obra – de triste depressivo a palhaço de classe, tudo em questão de momentos.

Talvez o fato de ele sentir essa necessidade de estar sempre “ligado” em situações sociais, como a personificação humana de seus ideais artísticos que estimulam mudanças constantes em seu comportamento, seja a razão de sua vida pessoal escassa.

“Às vezes me vejo como uma caixa trancada”, afirmou, “muito distante de mim e dos outros. Mas me sinto com sorte, porque sou o dono do meu tempo, e você não pode comprar tempo”.

No entanto, algumas amizades foram centrais em sua vida e desenvolvimento profissional. Então, uma mudança importante na carreira de Cattelan veio quando ele conheceu Maurizio Bonami, diretor da Bienal de Veneza.

Os amigos de Cattelan

Logo, se tornaram amigos rapidamente, em parte porque ambos eram imigrantes italianos tentando navegar no mundo da arte de Nova York. E em outra parte porque ambos moravam na mesma rua no East Village.

Para tanto, Bonami deu a Cattelan um lugar de destaque na Bienal de 1993. Desse modo, em 1997, Maurizio conheceu o curador e crítico de arte ítalo-americano Massimiliano Gioni. Então, Gioni representou ou representou Cattelan (em entrevistas, palestras e outras aparições) por quase uma década.

Outro amigo de Cattelan é o galerista de Milão Massimo de Carlo, que diz: “Maurizio é o perfeito conhecedor de muitos aspectos diferentes do mundo da arte”.

Logo, em um trabalho notável, A Perfect Day, 1999, ele prendeu De Carlo na parede por quase duas horas “como uma crucificação estranha e profana”. E o tempo misturado com as luzes quentes da galeria fez de Carlo desmaiar e ele foi levado para um hospital de ambulância.

Em outra peça, Errotin, la Vraie Lapin , 1995 , Cattelan fez o galerista parisiense Emmanuel Perrotin vestir uma fantasia de coelho rosa em forma de pênis grande. Em ambos os casos, Cattelan encontrou uma maneira de tornar as pessoas “cúmplices de seu próprio abuso”.

Já em 1999, Cattelan decidiu organizar sua própria bienal, a 6ª Bienal do Caribe, que atuou como uma espécie de farsa sobre o conceito de bienal. Logo, vários artistas, incluindo Olafur Eliasson, Chris Ofili e Gabriel Orozco, foram convidados para um hotel nas Bahamas, juntamente com outras elites do mundo da arte.

No entanto, não havia nenhuma obra de arte, e o evento foi essencialmente um feriado do mundo da arte. Para tanto, Jenny Liu, jornalista da revista Frieze, ficou absolutamente horrorizada.

Ela descreveu o evento como “uma hipocrisia surpreendente” e “um ato travesso de sabotagem do mundo da arte”. Enfim, Cattelan explicou simplesmente que era “uma exposição de tudo o que envolve a arte”.

Recebeu diploma em 2004 e, Trento, na Itália

Em 2004, Cattelan recebeu um diploma honorário em Sociologia da Universidade de Trento, Itália. Logo, entre 2005 e 2010, dedicou-se mais à edição e curadoria.

Sendo assim, foi curador da Bienal de Berlim de 2006 e colaborou como editor em várias publicações, incluindo as revistas Permanent Food , Charley e Toilet Paper, com Dominique Gonzalez Foerster, Paola Manfrin, Ali Subotnick e Massimiliano Gioni.

Em 2011, durante sua enorme retrospectiva All no Solomon Guggenheim Museum em Nova York, Cattelan anunciou sua aposentadoria do mundo da arte, afirmando:

“Comecei a me sentir tão distante das coisas que estava fazendo, como se estivesse sob algum tipo de anestesia.” Para confirmar essa intenção, ele promoveu a retrospectiva com imagens de si mesmo carregando uma lápide que dizia “O Fim”.

No entanto, ele logo mudou de ideia, afirmando em 2016 que “está sendo ainda mais uma tortura não trabalhar do que trabalhar”.

Legado de Maurizio Cattelan

Por quase três décadas, Cattelan vem liderando uma geração de artistas que usam humor satírico para criticar o próprio mundo da arte, bem como os males mais amplos da sociedade.

Por exemplo, o artista de rua britânico Banksy colocou sub-repticiamente um inflável de um prisioneiro encapuzado da Baía de Guantánamo no passeio Big Thunder Mountain na Disneylândia em 2006.

E causando choque e confusão nos transeuntes, assim como no trabalho sem título de Cattelan de 2008, no qual ele pendurou as figuras de três crianças com laços de um galho de árvore no centro de Milão.

Assim sendo, a jornalista do ArtForum, Emily Hall, resume bem Cattelan: “Ele é eminentemente conhecido como um brincalhão, um santo tolo cujas piadas nos revelam a nós mesmos”.

Logo, por ter feito isso enquanto alcançava níveis chocantes de sucesso, ele continua sendo uma inspiração para artistas que desejam evitar os limites de uma carreira artística tradicional. Segundo a amiga e documentarista Maura Axelrod, seu trabalho “é sempre super presciente”.

Finalizamos a Parte II com essa biografia de Maurizio Cattelan, um dos artistas italianos contemporâneos que contribuiu e contribui até hoje na arte. E se você aprendeu algo novo hoje, conte-nos!

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Resgatando suas origens

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II – Processo administrativo na Itália via comune;

III – Processo Judicial na Itália no Tribunal de Roma via “materno” ou “paterno” contra as filas consulares.

Maurizio Cattelan é um artista conceitual italiano contemporâneo. Assim sendo, é conhecido tanto por seu humor satírico quanto por sua escultura realista.

Ademais, ele frequentemente retrata celebridades, figuras históricas da arte ou animais empalhados em cenas comicamente absurdas. Mas, Cattelan se inspira nos movimentos dadaístas e surrealistas para criar sua sátira mordaz e surreal, como evidenciado em La Nona Ora (The Ninth Hour (1999).

E aqui abordaremos brevemente sobre sua infância e início de trabalhos nesta Parte I. Então, nós do blog Benini & Donato Cidadania Italiana convidamos você a conhecer este artista italiano.

Biografia de Maurizio Cattelan – Infância

Maurizio Cattelan cresceu na cidade de Pádua, no Norte da Itália. Sendo assim, seu pai era caminhoneiro, sua mãe empregada doméstica e a família enfrentava dificuldades financeiras.

Sempre desajustado, ele não gostava da escola, tirava notas baixas e estava constantemente em apuros. Desse modo, a historiadora de arte Sarah Thornton explica que a mãe de Maurizio esteve doente durante a maior parte de sua infância. E morreu quando ele tinha vinte e poucos anos.

O artista sente que ela o culpou por sua doença, talvez provocando seus primeiros conflitos com os conceitos de fracasso. Também mortalidade que mais tarde apimentariam sua obra.

Então, depois de abandonar o ensino médio, ele trabalhou em uma série de empregos insatisfatórios em correios, necrotérios e cozinhas para sustentar sua família.

Logo, através de todas essas primeiras experiências, ele aprendeu a desconfiar da autoridade e a abominar a monotonia do trabalho manual.

Nasce um curioso artístico

Para tanto, a partir dessas experiências, nasceu um curioso artístico. Assim sendo, a irmã de Cattelan, Giada, lembra que costumava ter vergonha de mencionar que tinha um irmão porque ele era apenas um artista, o que equivalia a ser um “preguiçoso sem fazer nada”.

Em sua autobiografia, Cattelan relata suas primeiras façanhas artísticas, que espelham o arquétipo de pária que lhe foi escrito desde então. Logo, desenhou bigodes nas estátuas da igreja onde era coroinha, um ato que acabou por levá-lo a ser expulso da paróquia.

Biografia de Maurizio Cattelan – Formação inicial e trabalho

Cattelan não teve educação artística formal. Talvez inicialmente compelido por seu desgosto pelo trabalho braçal, ele se mudou para Milão na casa dos vinte e ficou intrigado com a arte.

Assim sendo, estava fascinado com o status que vinha junto com ser um artista. E ideia de ter seu trabalho visto em capas de revistas. Em 1989, ele decidiu falsificar sua própria capa da revista FlashArt, que era muito popular na época.

Então, criou uma escultura de castelo de cartas composta por cópias de FlashArt, que ele então fotografou. Logo, colou esta imagem na frente de cópias reais da revista, resultando em falsificações muito convincentes, que ele então distribuiu em lojas de revistas e galerias.

Isso lançou sua carreira, reforçando duplamente sua ideia de que ser artista lhe permitiria trabalhar e ser fiel a si mesmo. Em 1993 mudou-se para Nova Iorque e desde então vive e trabalha alternadamente tanto lá como em Milão.

Sem uma formação acadêmica adequada, Cattelan manteve a liberdade de voar no mundo da arte. E rapidamente se estabeleceu como um artista com forte senso de humor e ironia.

Arte de forma irônica

Mesmo que seu trabalho muitas vezes lidasse com temas sérios, a arte foi apresentada de forma irônica. Então, sempre se considerou mais um trabalhador no mundo da arte, evitando a preciosidade conferida ao artista estereotipado ou tradicional.

Desde cedo, ele selecionou amplamente de uma caixa de ferramentas baseada em conceitos, a partir da qual vários meios, formas, objetos e materiais são usados ​​para expressar suas mensagens subjacentes. Em seus primeiros trabalhos, muitas vezes a mensagem do trabalho formava o cerne da importância e não a peça acabada.

Cattelan está constantemente preocupado que seu trabalho não seja bem recebido, dizendo: “Você não quer ver seu trabalho porque pode descobrir que não gosta dele”.

Esse medo consistente do fracasso foi destacado em uma série de obras de arte que tratavam de evitar fazer qualquer coisa. “Eles eram basicamente sobre abraçar o fracasso antes mesmo de começar”, diz Victora Armutt, diretora do Arquivo Cattelan.

Em 1989, sua profunda ansiedade por ter uma primeira exposição individual malsucedida o levou a simplesmente fechar a galeria. E pendurar uma placa na porta que dizia “Torno subito” (“Volte em breve”).

Criação de rotas de fuga performativas

Nos anos seguintes, ele criou outras “rotas de fuga performativas”, como Nancy Spector, vice-diretora do Guggenheim, as chama. Logo, Una Domenica a Rivara (Um Domingo em Rivara), que foi sua contribuição para uma exposição coletiva no Castello di Rivara, perto de Turim.

Logo, em 1992, consistia em uma corda de lençóis atados, pendurados em uma janela aberta, como se ele tivesse acabado de fugir do local.

Então, em 1993, ele alugou seu espaço na Bienal de Veneza para uma agência de publicidade que instalou um outdoor para perfumes com o slogan Working Is a Bad Job.

Em 1996, ele chegou ao ponto de roubar o conteúdo da exposição de outro artista de uma galeria próxima. E tentar passá-lo como seu, até que a polícia o obrigou a devolver o trabalho. O esforço foi hilariamente intitulado Another Fucking Readymade.

Impulso minimalista de Maurizio Cattelan

As constantes obsessões de Cattelan em torno da sobrevivência e do sucesso formularam um forte impulso minimalista tanto em sua arte quanto em sua vida pessoal.

Dessa maneira, seu primeiro colega de quarto em Nova York diz que ele não tinha absolutamente nenhuma mobília. E que estava sempre “tentando ter cada vez menos”.

Ele também diz que foi muito difícil no começo porque Maurizio não sabia nada sobre a cidade de Nova York, nem nada sobre a cultura americana. Logo, continuou a lutar financeiramente, vivendo com cinco dólares por dia no início.

Uma coisa que o artista sabia com certeza, porém, era que ele queria um dia mostrar seu trabalho na Marian Goodman Gallery. E ele finalmente alcançou esse objetivo em um show de verão de 1997 com seu trabalho Untitled.

A peça apresentava dois pequenos camundongos taxidermizados em espreguiçadeiras sob um guarda-sol. Então, esse trabalho lançou-o para a próxima fase de sua carreira, despertando o interesse de muitos jogadores-chave no mundo da arte.

O trabalho também chamou a atenção de Dodie Kazanjian, crítico de arte da Vogue , e Calvin Tomkins, crítico de arte da New Yorker , que procurou Cattelan. Então, formou uma amizade instantânea com ele. Kazanjian diz, “há algo sobre Maurizio que fica sob sua pele.”

Aqui finalizamos essa Parte I e, se desejar, conte-nos mais sobre o que achou dessa biografia de Maurizio Cattelan. E não deixe de ler a Parte II que traz o período de seu trabalho mais amadurecido e legado.

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Resgatando suas origens

Processos de direito ao reconhecimento de cidadania italiana:

I – Processo administrativo no Brasil via consulado italiano;

II – Processo administrativo na Itália via comune;

III – Processo Judicial na Itália no Tribunal de Roma via “materno” ou “paterno” contra as filas consulares.

Biografia de Andrea Del Sarto

Como um artista florentino bem-conceituado, o trabalho de Sarto contribuiu muito para a reforma naturalista da Renascença vista em pintores maneiristas posteriores.

Assim sendo, costuma-se dizer de sua carreira que ele era menos ambicioso. E, portanto, ofuscado por seus contemporâneos como Rafael, Leonardo da Vinci e Michelangelo.

Para além disso, seu trabalho inicial é marcado por um estilo individual de representações não idealistas e informais de assuntos. E que usam um efeito sofisticado e emocional no tom e no ambiente.

Sarto formou-se ourives e entalhador, entre os estágios de pintura com Piero di Cosimo (1462 – 1522) e Raffaellino del Garbo (1466 – 1524). Após uma breve parceria com outro pintor florentino, Franciabigio (1482 – 1525), completando o afresco do Batismo de Cristo para a Compagnia dello Scalzo, surge seu estilo individual.

E aqui vamos continuar no blog Benini & Donato Cidadania Italiana abordar sobre esse grande pintor nesta Parte II. Então, você saberá sobre o seu casamento e os últimos períodos de suas obras e, ao final, morte.

Portanto, venha conhecer mais da biografia de Andrea Del Sarto e leia também a Parte I que descreve sua infância e primeiras obras.

Biografia de Andrea Del Sarto – Casamento De Del Sarto

Del Sarto casou-se com Lucrezia del Fede de Recanati em 1518. Assim sendo, viúva de um chapeleiro chamado Carlo di Domenico, ela trouxe para o casamento uma propriedade e um dote considerável.

De acordo com KG Shearman, Professor de Belas Artes da Harvard University, del Sarto contentava-se em trabalhar, quando lhe convinha, por honorários nominais. E sem remuneração alguma, ou apenas parte de um honorário oferecido a ele. Provavelmente, porque estava em circunstâncias confortáveis.

Antes e depois do casamento, ele costumava usar Lucrécia como modelo e ela aparece em muitas de suas pinturas. Além disso, até mesmo posando como uma Madona em obras de autoria, incluindo, A Natividade da Virgem (1514) e Madona das Harpias (1517).

Apesar de dobrar como a Madonna, Vasari e, mais tarde, o dramaturgo e poeta inglês Robert Browning (provavelmente com base nos relatos anteriores de Vasari), caracterizaram-na como uma mulher agressiva e ciumenta, sem fé religiosa.

Del Sarto e família se mudam

Em 1524, Del Sarto e sua família mudaram-se brevemente para Luco em Mugello para escapar de um surto da Peste Bubônica em Florença. Mais tarde naquele ano, Del Sarto visitou Roma, onde Michelangelo o apresentou a Vasari.

Então, Vasari ficou bastante impressionado com Del Sarto e se tornou um de seus alunos. No entanto, Vasari mais tarde demonstraria grande ambivalência em relação ao seu antigo tutor, que, em sua opinião, possuía todos os pré-requisitos de um grande artista.

Mas carecia do impulso e da ambição extras que elevavam as obras dos “verdadeiros” grandes do Renascimento: Michelangelo, Rafael e Leonardo.

Dito isso, Del Sarto ocupou dois dos maiores verbetes da biografia de Vasari, The Lives of the Artists: o primeiro, em 1550, com 40 páginas; a segunda, em 1568, com 55 páginas.

Contradizendo um pouco a avaliação das habilidades de Vasari, em 1926 Del Sarto finalmente completou após cerca de 15 anos em construção, seu famoso ciclo de afrescos monocromáticos para o claustro de Scalzo em Florença.

Agora amplamente considerada uma das obras-primas que definem o Alto Renascimento, elevou a fasquia dos padrões de excelência na pintura de afrescos monumentais.

Biografia de Andrea Del Sarto – Períodos finais de suas obras

Madonna del Sacco, em 1525, tem esta pintura a fresco do final da sua carreira. E onde retrata o Resto, tirada durante a fuga da Virgem Maria para o Egito com José e o menino Jesus. 

Assim sendo, o trio é enquadrado em ambos os lados por uma pilastra. E pelo contorno gracioso da luneta arquitetônica.

No final de sua carreira, del Sarto se contentava em trabalhar por pequenas taxas ou sem remuneração alguma, como foi o caso de Madonna del Sacco (1525).

Nesse ponto de sua carreira, o seu estilo amadureceu totalmente e suas obras exibem um uso altamente expressivo da cor. E que foi excepcional na pintura florentina.

Madonna Del Sacco, uma de suas peças mais importantes

Agora reverenciada como uma de suas peças mais importantes, Madonna del Sacco foi pintada para a Basílica della Santissima Annunziata em Florença. E onde o afresco em forma de luneta enfeita a porta de entrada do Grande Claustro da igreja (conhecido como Chiostro dei morti).

Embora exiba a influência de Michelangelo, e em particular suas figuras pintadas na abóbada da Capela Sistina, a pintura é a sua própria celebração do estilo único de del Sarto.

Notavelmente, o equilíbrio elegante da pintura e as figuras que possuem ao mesmo tempo um ar de grandeza e repouso. Como afirmou o curador de desenhos do museu J. Paul Getty, Julian Brooks, del Sarto conseguiu com este afresco transmitir “um equilíbrio maravilhoso entre dignidade e informalidade”.

Uma de suas últimas peças, Sacrifício de Isaac (uma das três versões executadas por del Sarto), estava de fato sendo oferecida como um presente político a Francisco I.

A idealização crescente e o colorido intenso, como em pinturas devocionais como o Quattro Santi (1528) e Santa Inês (1528), são os principais exemplos do afastamento do estilo da Alta Renascença (que se pensava ter atingido seu ponto de excelência E não poderia ser melhorado) em direção ao estilo maneirista mais decorativo que se provou inspirador para o próximo geração de artistas europeus.

Biografia de Andrea Del Sarto – Falecimento, morte

Após o cerco de dez meses de Florença (1529-30), que viu a república ser derrubada por trupes papais imperiais, e Alessandro de Medici instalado como governante da cidade, a economia florentina estava em crise.

Sendo assim, essa crise foi agravada por uma segunda praga, que, embora a cidade fosse protegida pelos Apeninos ao Norte e ao Leste, onde as passagens nas montanhas poderiam ser fechadas, se pensava ter tirado a vida do artista.

Todavia, as fontes divergem sobre a data exata de sua morte. Todavia, os documentos confirmam que ele foi enterrado na Basílica della Santissima Annunziata, em 29 de setembro de 1530, com apenas 44 anos.

Enfim, foi um enterro silencioso e sem cerimônia e Del Sarto deixou sua esposa, Lucrécia, cerca de 40 anos.

Aqui finalizamos essa Parte II sobre a biografia de Andrea Del Sarto, um dos pintores florentinos de enorme prestígio. E que tal compartilhar abaixo nos comentários o que achou dele? Fique à vontade!

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Resgatando suas origens

Processos de direito ao reconhecimento de cidadania italiana:

I – Processo administrativo no Brasil via consulado italiano;

II – Processo administrativo na Itália via comune;

III – Processo Judicial na Itália no Tribunal de Roma via “materno” ou “paterno” contra as filas consulares.

Del Sarto foi o pintor florentino mais importante do início do século XVI. Assim sendo associado a pinturas religiosas e ao retrato ocasional, seu estilo é reverenciado pelo equilíbrio. Também pela graça natural de suas figuras e por sua habilidade como colorista.

Para tanto, depois que a “sagrada trindade” de Leonardo, Rafael e Michelangelo partiu de Florença (por volta de 1508), Del Sarto assumiu o manto do principal mestre florentino (ultrapassando até Bartolommeo).

Desse modo, modificou a técnica do sfumato de Leonardo, introduzindo uma gama de cores mais quentes e vivas em sua paleta. Na verdade, ele produziu uma gama tonal de cores que era insuperável.

Ademais, provou ser uma grande inspiração no que logo se tornaria conhecido como o Estilo Maneirista. Por sua grande e bela contribuição a arte italiana, o blog Benini & Donato Cidadania Italiana explorará sobre esse artista.

Então, dividimos em duas partes para explorar melhor sua infância, trabalhos, obras, carreiras e muito mais. Assim sendo, leia a Parte I abaixo e, assim que puder, clique AQUI para ler a Parte II.

Biografia de Andrea Del Sarto – Infância

Embora algumas fontes sugiram que seu sobrenome era Lanfranchi, Andrea d’Agnolo di Francesco di Luca era filho de um alfaiate florentino (Sarto em italiano), daí Andrea del Sarto, “filho do alfaiate”.

Sendo assim, pouco se sabe sobre a infância de Del Sarto, exceto pelo fato de que ele era (e permaneceu) de baixa estatura. E que seus amigos o chamavam de Andreino.

Biografia de Andrea Del Sarto – Treinamento precoce e início de carreira

Em 1494, com apenas oito anos, Del Sarto foi aprendiz de um ourives florentino. Assim sendo, a experiência ajudou a fomentar seu amor pelo desenho. Então, pouco depois, foi contratado pelo pouco conhecido pintor e entalhador Andrea di Salvi Barile, com quem estudou até os doze anos.

De acordo com a obra Vidas dos mais excelentes pintores, escultores e arquitetos, de Giorgio Vasari, del Sarto tornou-se aprendiz. Logo, foi primeiro do pintor Piero di Cosimo. E, posteriormente, de Raffaellino del Garbo (Carli), um pintor altamente talentoso do final do século XV.

No entanto, foi sob a tutela de di Cosimo, que comentou favoravelmente sobre a aptidão de seu aluno para as cores. E sua mentalidade estudiosa, que Del Sarto realmente se destacou.

Di Cosimo influenciou Del Sarto

Desse modo, como outros artistas florentinos da época, di Cosimo também era um desenhista de ponta de metal. E, provavelmente, ensinou Del Sarto a desenhar usando esse método. No entanto, não há desenhos de Del Sarto conhecidos nesse meio.

Ele preferiu usar giz vermelho e preto em seus desenhos preliminares, pois permitia uma variação tonal maior do que as linhas mais precisas da ponta de metal.

O historiador da arte Nigel Ip (ele mesmo utilizando um ensaio de Marzia Faietti) descreve como os desenhos em giz vermelho de Del Sarto eram únicos “como exemplos de uma síntese entre duas abordagens teóricas opostas para a produção de arte: Florentine disegno (significando design e desenho) e veneziano colore (cor)”.

Ele observa que esse foi “um debate comum no século XVI entre os intelectuais” com muitos, incluindo Vasari, apoiando a visão de que “a precisão linear de disegno era mais importante do que a representação de planos insubstanciais de colore.

Enfim, continuaria a ter uma associação mais profunda com a criação divina (conforme exposto por Vasari em seus elogios a mestres como Michelangelo).

Em 1506 Del Sarto começa a produzir obras independentes

Del Sarto começou a produzir obras independentes por volta de 1506. E essa fase estava sendo marcada pela espontaneidade juvenil do artista que deu origem a um tratamento naturalista de suas figuras.

Assim sendo, ainda com apenas 20 anos, ele e seu amigo, Franciabigio (Francesco di Cristofano), abriram um estúdio. E uma loja em um hotel na Piazza del Grano.

Dois anos depois, em 11 de dezembro de 1508, ele se matriculou na guilda de pintores de Florença. Logo, em 1509, ele iniciou sua longa colaboração com a igreja. E convento de Santissima Annunziata (também em Florença).

A Ordem Servita contratou-o, juntamente com Franciabigio e Andrea Feltrini, para executar um conjunto de cinco afrescos para a entrada do claustro.

Desse modo, essas cenas, retratando a vida de São Filippo Benizzi, seriam sua primeira encomenda pública importante. Enfim, confirmaram Del Sarto como um jovem pintor a ser respeitado.

Biografia de Andrea Del Sarto – Período maduro

Em 1511, del Sarto mudou-se para uma oficina perto da igreja de Santissima Annunziata. Logo, permaneceu cerca de seis ou sete anos, período em que foi aprendiz de Rosso Fiorentino e Jacopo Pontormo.

Ele também trabalhou com o escultor Jacopo Sansovino, que está sendo citado como a principal influência no amadurecimento do estilo de pintura de del Sarto, mais musculoso e escultural.

Durante o período de 1511-18, Del Sarto executou afrescos importantes para igrejas em Florença, incluindo o Chiostro dello Scalzo e o mosteiro de S. Gallo.

Pintura Anunciação

A Anunciação, por exemplo, foi pintada para o convento de San Gallo (e movido antes que pudesse ser destruído no cerco de Florença em 1529).

Então, de acordo com o site “Art in Tuscany”, a atmosfera da pintura é carregada de referências antigas citadas alegremente no cenário teatral. E que formam um cenário para a história bíblica quase irreconhecível.

Geralmente, está sendo interpretada como Susanna and the Elders – a Susanna que se assemelha a um nu masculino; os Anciões, três deles, levemente tocados com algumas pinceladas, apontam para ela em uma loggia arejada digna de Pontormo ou Rosso.

As duas figuras da Madona e do Anjo em primeiro plano, acompanhadas por dois anjos, cheios de gentil beleza humana, vibram com intensidade poética.

Então, foi esse afresco que deu as primeiras indicações do movimento geral de Del Sarto em direção a um mais contido.

Aqui finalizamos a Parte I sobre a biografia de Andrea Del Sarto, um dos maiores pintores florentinos da arte da Alta Renascença. Então, conte-nos o que achou.

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Resgatando suas origens

Processos de direito ao reconhecimento de cidadania italiana:

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Aqui estamos na Parte II sobre a biografia de Giovanni Bellini e abordaremos sobre início de sua carreira e legado. E se você ainda não leu sobre esse mesmo artista na Parte I, então, o blog Benini & Donato Cidadania Italiana convida você a ler.

E hoje você conhecerá um pouco de sua influência ao mundo da arte italiana destacando a sua carreira e legado que deixou.

Biografia de Giovanni Bellini, pintor veneziano – Infância, educação, carreira e legado – Parte II

Início de carreira

Em 1459, Bellini casou-se com Ginevra Bocheta. Assim sendo, a dupla teve pelo menos um filho, a quem deram o nome de Alvise. Desse modo, a vida familiar não parecia enfraquecer seu desejo de se destacar em sua arte, no entanto.

E sua confiança crescente neste momento é clara quando ele jogou fora a natureza linear ocasionalmente austera e autoconsciente da Escola Paduan. Para tanto, ele ainda parecia estar se inspirando em Mantegna, apesar da mudança de seu amigo para Mântua.

Mas sua obra de 1460 em diante mostra indicações definitivas da graça e elegância exclusivas de suas obras posteriores. Além disso, seu irmão Gentio era considerado o maior dos dois irmãos neste ponto, mas isso não parecia ter criado inimizade entre eles.

Em 1470, os irmãos, com vários outros artistas, foram contratados para pintar obras do Antigo Testamento na Scuola di San Marco. Logo, Bellini produziu uma pintura de O Dilúvio com a Arca de Noé, que foi muito aclamado na época, mas infelizmente não sobreviveu até os dias de hoje.

Biografia de Giovanni Bellini – Carreira

Em 1473, um pintor chamado Antonello di Messina chegou a Veneza. Sendo assim, o alcance exato das viagens do homem estava sendo desconhecido. Mas é certo que ele viajou para o Norte da Europa, principalmente para a Holanda.

E que isso teve uma grande influência no trabalho de Bellini. Significativamente, di Messina adotou a prática do norte da Europa de pintar a óleo e é amplamente considerado (embora às vezes contestado) que ele foi o responsável pela chegada deles a Veneza e, posteriormente, por toda a Itália.

Então, Bellini começa a pintar a óleo e o novo meio parece ter concordado com sua elegância em desenvolvimento. E lhe permitiu uma sutileza na graduação da cor e da atmosfera que antes eram impossíveis de alcançar com têmpera.

Em 1479, o irmão de Bellini, gentio, viajou para Constantinopla, deixando seu posto de conservador nos corredores do Doge. Logo, Giovanni e Vivarini estavam designados conjuntamente para continuar o trabalho.

No decurso do seu mandato, Vivarini morreu, deixando Giovanni na posse exclusiva do papel significativo. Infelizmente, a quantidade substancial de trabalho que Bellini concluiu nesses salões estava sendo totalmente perdida pelo fogo em 1577.

Então, a nomeação o consolidou como o maior pintor da cidade na época e em 1483. Logo, estava sendo nomeado pintor oficial de Veneza.

É durante a década de 1490 e nos primeiros anos de 1500 que ele assumiu, primeiro Giorgione e depois Ticiano, como alunos. Ambos os homens iriam causar um impacto significativo no Renascimento veneziano, e no processo ajudaram a proteger ainda mais o legado de Bellini.

Período tardio

De 1500 em diante, Bellini foi sobrecarregado com encomendas. Ele estava, no entanto, financeiramente seguro e até começou a recusar clientes em potencial.

Para tanto, Isabella Gonzaga de Mântua solicitou uma cena secular do antigo mito grego, um gênero de pintura também chamado de toda ‘Antica. E essa era a segunda foto que ela receberia de Bellini, mas ele recusou.

Costuma-se argumentar que isso ocorreu porque ‘Antica pictures Bellini era tecnicamente incapaz de produzir, ou que ele recusou por motivos religiosos. Então, é muito mais provável, no entanto, e se encaixa muito melhor com o que se supõe sobre o caráter de Bellini, que ele tenha recusado por respeito a seu cunhado Mantegna.

Mantegna ainda era pintor da corte dos Gonzagas e se especializou neste tipo de pintura. Sendo assim, é bem possível que Bellini simplesmente não quisesse invadir seu território.

A Festa dos Deuses para o Duque de Ferrara, provando assim sua habilidade técnica e refutando todos os alegados escrúpulos religiosos.

Últimos XVI anos de trabalho sobre a biografia de Giovanni Bellini

Seu trabalho durante os últimos 16 anos de sua vida revela uma elegância tão refinada que é difícil resistir à inferência de que ele foi um mestre satisfeito e realizado em sua velhice.

Quando Albrecht Dürer visitou Veneza pela segunda vez em 1505, ele foi severo com a recepção que recebeu de todos os artistas, exceto Bellini, sobre o qual disse: “Ele já está com idade avançada, mas ainda é o maior artista de todos” (um endosso que teve algo a ver com o fato de Bellini ter comprado uma das pinturas de Dürer nesta visita).

Em 1507, Gentile morreu terminando um dos relacionamentos mais próximos da vida de Bellini. Gentile deixou o caderno de desenho de seu irmão e, em troca, Giovanni completou o livro inacabado de Gentile A Pregação de São Marcos.

Após sua própria morte em 1516, Giovanni Bellini foi enterrado com honra com seu irmão na igreja de San Giovanni e Paolo, o local de descanso dos Doges.

O Legado de Giovanni Bellini

Giovanni Bellini deixou dois grandes legados para o mundo da arte. Sendo assim, o primeiro foi sua habilidade em trazer um sentido tangível de ambiente para sua pintura. E, segundo, as novas possibilidades que ele abriu quando imbuiu divindades religiosas com qualidades corporais.

Então, suas próprias realizações foram, no entanto, ultrapassado por seu aluno Ticiano. E que estava se tornando o grande colosso de arte veneziana do século XVI.

Logo, para o final de sua carreira, um precursor para o mais expressivo estilo maneirista que devidamente assumiu a partir do mais naturalista Alta Renascença.

Ticiano tirou de Bellini sua mistura sutil e serena de cor e luz, trazendo ao mesmo tempo um novo drama e dinamismo. Da mesma forma, como Bellini aprendera muito com os mestres holandeses, Albrecht Dürer voltou de suas visitas a Veneza para infundir em seus retratos posteriores um matiz veneziano beliniano.

E embora não tenha sido reconhecido em sua própria vida, Bellini deixou sua marca indelével na pintura de paisagem que foi ridicularizada por artistas sérios de sua própria época. Logo, foi apenas muitos séculos após sua morte que o significado e a atenção que ele deu aos detalhes do mundo natural receberam seu justo reconhecimento.

Na verdade, um argumento convincente pode ser feito para Bellini como o pai da pintura de paisagem. E é certo que pintores posteriores, como Albrecht Dürer, foram fortemente influenciados por ele em suas buscas naturalistas.

Finalizamos a biografia de Giovanni Bellini, esse grande pintor veneziano que deixou lembranças em sua arte. E se você gostou de saber mais, conte-nos o que achou.

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Resgatando suas origens

Processos de direito ao reconhecimento de cidadania italiana:

I – Processo administrativo no Brasil via consulado italiano;

II – Processo administrativo na Itália via comune;

III – Processo Judicial na Itália no Tribunal de Roma via “materno” ou “paterno” contra as filas consulares.

Biografia de Giovanni Bellini

Poucos artistas na história da pintura podem igualar a contribuição do veneziano Giovanni Bellini. Assim sendo, Bellini pode ser creditado por trazer uma qualidade humanística para suas cenas religiosas e míticas.

Ele também estava na vanguarda do desenvolvimento da pintura a óleo. E, tendo dispensado o método da têmpera a ovo e água, usou tintas a óleo para evocar uma sensação intensificada de ambiente cênico.

Enquanto a paisagem pintada era geralmente vista com um distanciamento abafado pela elite artística, Bellini a tratou com respeito e atenção aos detalhes que lhe trouxeram. E, embora muito mais tarde, uma nova credibilidade genérica.

Assim sendo, além de sua própria contribuição magnífica para o cânone da Renascença, ele ensinou Ticiano que, surpreendentemente, ultrapassou seu grande e gracioso mestre veneziano.

Por tamanha contribuição, o blog Benini & Donato Cidadania Italiana abordará nesta Parte II sobre suas conquistas, legado. Além disso, você verá brevemente sobre uma das suas principais obras: Pieta. Então, venha conferir e não deixe de ler a Parte I!

Biografia de Giovanni Bellini – Conquistas e legado

Embora um filho leal de Veneza, Bellini estava aberto a influências externas de dentro da Itália e do Norte da Europa. Desse modo, seu trabalho traz a influência de novas ideias na perspectiva anatômica.

Bem como a vontade de testar as possibilidades artísticas da tinta a óleo, recém-exportada para a Itália pelo porto de Veneza.

Para um homem de convicções cristãs tão resistentes, Bellini estava decidido a usar a pintura para transmitir as nuances da figura humana.

Então, suas figuras, mortais e sagradas, foram pintadas assim com uma leveza de toque. E que trouxe uma nova ternura humana às suas parábolas religiosas e míticas.

Os experimentos de Bellini com óleos apenas aumentaram a elegância geral de seu trabalho. Logo, aperfeiçoou por meio de óleos uma técnica que permitia as gradações mais sutis de cor. Também suas pinturas sofisticadas definem o padrão pelo qual os outros seriam julgados.

Ao contrário de tantos de seus contemporâneos, Bellini mostra grande respeito pela paisagem natural. Para tanto, o mundo natural foi tipicamente projetado para adicionar um efeito dramático à narrativa pintada. Mas, havia uma dispersão nas paisagens de Bellini que eram baseadas no campo aberto em que ele cresceu.

Além de sua representação sutil do traje e da pigmentação da pele, Bellini foi capaz de adicionar ao ambiente meteorológico de suas cenas por meio de seu grande domínio da luz e da cor.

Biografia de Giovanni Bellini – 1460 surge Pieta

Pieta retrata o corpo de Cristo sendo segurado por Maria e José. Assim sendo, suas feridas de espada e sua crucificação ainda estão frescas.

Para tanto, as três figuras estão posicionadas no primeiro plano central com uma paisagem rural obscurecida (pelas três figuras) desenrolando-se atrás delas.

Então, essa pintura é significativa porque marca o afastamento de Bellini das práticas estilísticas de Mantegna e da escola Paduana. Além disso, mostra o artista explorando seu próprio estilo, mais sereno e íntimo; um estilo mais suave do que o visto em suas pinturas anteriores.

Ademais, sua paisagem baixa e aberta é banhada por luz natural. E ainda mais aberta pelas nuvens e pelo céu horizontais e fugazes. Também a cortina rigidamente embrulhada de seus trajes é substituída por dobras muito mais suaves e amplas.

Desse modo, a graça que essas mudanças periféricas acrescentam à imagem sustentam uma intimidade de sentimento entre a mãe e o filho morto (pois não pode haver amor maior do que entre a mãe e o filho único), que é imensamente poderoso em sua ternura.

E esse foi um aspecto do trabalho de Bellini que se tornará uma característica reconhecível em suas pinturas futuras. Também é notável aqui o início de sua capacidade de infundir temas. E composições clássicas com interpretação pessoal.

Embora ele tenha uma função composicional vital como uma terceira parte no tríptico, a figura um tanto afetada de José (quando comparada a Maria) ainda está claramente absorvida na dor pessoal.

Fervor da religiosidade

O fervor da religiosidade tão agudamente descrito na obra anterior de Bellini se dissipou. Logo, se tornou algo mais refinado e humanístico.

Como disse o historiador da arte Roger Fry: “A tristeza que Bellini concebeu aqui é divina apenas em seu excesso de humanidade”.

É a perda simples, universal e agonizante de uma mãe que o espectador sente aqui pela perda de um discípulo ardente. E isso se deve, em parte, ao desenvolvimento da representação artística da figura humana.

Logo, o afastamento de uma ênfase na linha e contorno, em direção a planos mais modelados e sombreados dá peso morto aos braços de Cristo e suavidade à sua pele. Enfim, é como se ele estivesse quase para sair fora da imagem. Impressionante!

Aqui finalizamos essas Parte I e Parte II desse grande pintor veneziano. E se desejar, comente a respeito da biografia de Giovanni Bellini e o que mais lhe chamou atenção.

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II – Processo administrativo na Itália via comune;

III – Processo Judicial na Itália no Tribunal de Roma via “materno” ou “paterno” contra as filas consulares.

A biografia de Giovanni Bellini é tão rica de detalhes a serem abordados que o blog Benini & Donato Cidadania Italiana decidiu dividi-la em 2 partes. E, por isso, nesta Parte I abordaremos sobre sua infância e educação. Logo, na Parte II você descobrirá sobre sua carreira e legado que nos deixou.

Portanto, venha se encantar com esse pintor veneziano que muito tem para nos ensinar e admirar. Enfim, confira mais detalhes lendo a seguir.

Biografia de Giovanni Bellini – Infância

Existem poucas evidências escritas sobre as especificidades da infância de Giovanni Bellini. Sendo assim, o artista e biógrafo do século XVI Giorgio Vasari registrou em seu livro “Vidas dos mais excelentes pintores, escultores e arquitetos” que Bellini tinha 90 anos quando morreu, tornando 1426 seu ano de nascimento.

Mas historiadores da arte contemporânea acreditam que é mais provável que ele tenha nascido um pouco mais tarde, em algum momento entre 1430 e 1432. Desse modo, a sua paternidade também foi contestada com recentes afirmações feitas pelo historiador de arte Daniel Maze de que Jacopo Bellini era seu pai.

E onde há muito considerado seu pai, era na verdade, seu irmão mais velho. Logo, não há controvérsia, porém, sobre o fato de que o artista nasceu em Veneza.

O próprio Jacopo era um artista, embora agora mais conhecido graças à celebridade duradoura de seus filhos mais famosos. Além disso, eram muito admirados em Veneza e, na verdade, em todo o norte da Itália.

Então, como atestam suas numerosas correspondências, Giovanni era próximo de seu irmão Gentio. E os dois aprenderam a desenhar e pintar juntos sob a tutela de seu pai.

Irmãos de Bellini

Os irmãos Bellini se beneficiaram desde o início com as extensas viagens de seu pai pela Itália, especialmente Florença e outras cidades da Toscana. E que estavam vendo avanços nos estudos anatômicos e na perspectiva.

Embora Veneza não fosse um centro de aprendizagem, a cidade ainda deu aos irmãos jovens o melhor dos começos como artistas. Afinal, era uma das capitais mais ricas e bem governadas do mundo, com um apetite aparentemente verdadeiro por arte bonita e extravagante.

Dessa maneira, em 1443, Bellini acompanhou seu pai em uma viagem de trabalho a Pádua. Enquanto estava lá, é provável que o adolescente impressionável tenha testemunhado a pregação de São Bernardino.

Logo, nos limites mais meridionais da Itália moderna, houve um florescimento do Humanismo Renascentista e um afastamento do Cristianismo, uma escola de pensamento que o próprio Jacopo atribuiu.

Então, São Bernardino liderou um poderoso ressurgimento do fervor religioso no país em meados do século XV, muitas vezes pregando por horas ao ar livre com eloquência e paixão sobre as virtudes da fé cristã.

É bem provável que tenha sido este o acontecimento que deu início, o que viria a ser para Giovanni, uma devoção profunda e vitalícia ao Cristianismo.

Biografia de Giovanni Bellini – Educação

Apesar de ter dois pupilos promissores como filhos, Jacopo estava ansioso para expandir “sua escola”. E tendo notado o talento precoce do jovem artista Andrea Mantegna em uma visita a Pádua no início de 1450, ele prontamente arranjou o casamento de Mantegna com sua filha Nicolosa.

Bellini encontrou-se com um novo cunhado e Mantegna exerceria um efeito profundo na prática de Giovanni. Então, parece que as relações entre os dois eram extremamente amigáveis.

E, embora Mantegna se mudasse para Mântua em 1460, eles continuaram um relacionamento produtivo pelo resto da vida de Mantegna.

Desse modo, nos anos anteriores a 1460, a obra de Bellini mostra uma intensidade no sentimento religioso que parece ser inteiramente sua.

Esquetes religiosos de Jacopo

Para tanto, o historiador de arte Roger Fryum escrito em 1899 descreve como os esquetes religiosos de Jacopo “tratavam os assuntos religiosos com surpreendente leviandade”.

E enquanto na obra de seu filho “os sentimentos de piedade e amor são expressos com tanta frequência e intensidade íntima” que tornam sua devoção palpável. Logo, foi com a mesma devoção que se comprometeu a dominar os desenvolvimentos na representação da figura humana.

Talvez por causa de sua juventude na cidade universitária de Pádua, ou talvez por sua natureza mais extrovertida. Portanto, faz sentido que Mantegna tenha liderado o caminho para Bellini nesta Escola Paduana de pintura.

Até porque a sua influência sobre o cunhado é clara ao comparar o trabalho dos dois homens antes de 1460. Além do cunhado, pode-se ver ligações claras com a obra do escultor e pintor florentino Donatello.

E que passou uma temporada em Pádua entre 1440 e 1450. Então, a influência do pintor Carlo Crivello também é evidente em seus primeiros trabalhos.

Para tanto, Crivello foi, na verdade, aluno da única escola alternativa de pintura aos Bellini de Veneza, The Vivarinis. Sendo assim, uma rivalidade cresceu entre as duas escolas e essa competitividade agiu como um estímulo para Bellini.

Então, ele tomou para si a tarefa de se manter a par dos desenvolvimentos artísticos além de Veneza. No entanto, apesar dessa rivalidade local, Bellini também é creditado com uma abertura e generosidade com outros artistas.

Que interessante está sendo essa biografia de Giovanni Bellini, um dos pintores venezianos mais renomados da Itália. E você? Conte-nos se já conhecia esse pintor e como foi essa leitura.

Benini & Donato Cidadania Italiana

Resgatando suas origens

Processos de direito ao reconhecimento de cidadania italiana:

I – Processo administrativo no Brasil via consulado italiano;

II – Processo administrativo na Itália via comune;

III – Processo Judicial na Itália no Tribunal de Roma via “materno” ou “paterno” contra as filas consulares.

Biografia de Giorgio Di Antonio Vasari

Ao terminar o período da Alta Renascença de Leonardo da Vinci, Michelangelo e Rafael por quase uma geração, Giorgio di Antonio Vasari surgiu por volta da década de 1530.

E veio como um elo importante no desenvolvimento da arte renascentista italiana. Para tanto, é muito respeitado como pintor e arquiteto, principalmente, em seus afrescos e no uso do estilo maneirista para intensificar suas narrativas bíblicas.

No entanto, a maioria dos comentaristas concordaria que sua grande contribuição para a história da arte ocidental não veio por meio de uma obra de arte, mas sim de um arsenal de arte: As vidas dos mais eminentes pintores, escultores e arquitetos, publicado pela primeira vez em 1550.

Sendo assim, In The Lives (como ficou conhecido), Vasari introduziu pela primeira vez a convenção da história da arte, agora familiar, de usar modelos biológicos para trazer significados a obras de arte específicas.

Desse modo, de acordo com o estudioso Andrew Ladis, Vasari transformou Michelangelo (em particular) em “o salvador triunfante das artes, uma figura de luz”, como ele disse.

E apresentando uma visão sobre o Renascimento que persiste até hoje, The Lives decretou a era de Vasari como o “renascimento” da arte após a queda de Roma. Ademais, com as obras do artista proto-renascentista Giotto representando o início da ascensão estética da arte.

Por essa razão, hoje o blog Benini & Donato Cidadania Italiana abordará essa figura tão eloquente e importante para sua época. E que deixou um legado impressionante em nossos dias, para a Itália e o mundo. Confira!

Biografia de Giorgio Di Antonio Vasari

Giorgio Vasari, o mais velho de seis filhos, nasceu em 1511 em uma família de classe média que vivia na região de Arezzo, na Toscana. Assim sendo, as inclinações artísticas de Giorgio foram transmitidas a ele através das gerações de membros da família.

Logo, seu bisavô Lazzaro Vasari fora um artista versátil: oleiro, criador de selas decoradas, pintor de miniaturas. E, mais tarde, sob a influência de seu mentor Piero della Francesco, pintor de afrescos.

Além disso, o avô de Vasari, de quem Giorgio recebeu o nome, era menos versátil. Mas, como Antonio, também era um ceramista talentoso.

Assim sendo, Vasari fora especialmente próximo de seu tio-avô, Luca Signorelli. E ele mesmo um assistente dos ensinamentos de della Francesco e de seu desenho em perspectiva.

Na verdade, o pequeno Giorgio fora uma criança doente, com hemorragias nasais frequentes (e possivelmente eczema grave).

Conquistas de Giorgio Di Antonio Vasari

Vasari era antes de tudo um homem de negócios frugal. Assim sendo, ele percebeu o papel que a “influência artística” poderia desempenhar na elevação do valor atribuído a uma obra de arte.

Logo, sua posição ajudou a iniciar uma mudança no pensamento que viu pintores – ou, melhor, alguns pintores especiais – ocupando um status mais elevado do que mero artesão.

E se alguém pudesse se apresentar como artista, maiores seriam suas chances de alcançar fama e segurança financeira. Então, sua posição se resumiu neste notável discurso a seus antigos colegas e mestres: “Já fui pobre como todos vocês, mas agora tenho três mil escudos ou mais. Vocês me consideravam desajeitado (como pintor), mas os frades e padres considere-me um mestre capaz.

Além disso, uma vez eu servi a você, e agora tenho um servo meu, que cuida do meu cavalo. Eu costumava vestir aqueles trapos usados ​​pelos pobres pintores, e agora estou vestida de veludo. Uma vez eu fui a pé, e agora vou a cavalo. “

Vasari ganhou notícias antecipadas por seu retratista comissionado. Além disso, ele preferia tons pastel para trazer uma qualidade humanista e simpática em seus modelos venerados.

Até o fim da posteridade, ele também apimentaria seu porta-retratos com simbolismo que conotaria a gravidade e o status do indivíduo em questão.

Harmonia tonal em seus retratos

Tendo investido nos ideais de harmonia tonal em seus retratos, Vasari voltou-se para as técnicas do maneirismo em sua pintura religiosa. E essas composições se baseavam mais em artifícios – cores não naturais, anormalidades e alongamentos de escala, exageros em contraste e assim por diante – com a intenção de criar uma sensação de grande elegância e drama intensificado dentro da narrativa da imagem.

Como autor de “As vidas dos pintores, escultores e arquitetos mais eminentes” (Volume um: 1550; Volume dois: 1568), Vasari efetivamente deu à luz uma história da arte populista.

Para tanto, a Era compreendendo a vida e os tempos dos mestres florentinos e venezianos, acreditava Vasari, que se poderia chegar à essência da arte renascentista.

Então, o livro seguia, de fato, uma tradição já estabelecida na escrita biográfica, mas Vasari trouxe um novo toque anedótico ao processo. Mas, ao mesmo tempo, em que fornecia um julgamento moral sobre as atividades dos artistas em questão.

Logo, muitos estudiosos criticaram The Livespor seus preconceitos e seu excesso de imprecisões e enfeites factuais. Porém, o princípio de que a história da arte (e da literatura, nesse caso) poderia ser entendida por meio de feitos excepcionais de indivíduos divinamente talentosos manteve-se firme.

Portanto, é bem verdade que muitos radicais e revisionistas produziram tratados que desafiam essa abordagem romantizada e “burguesa” da história da arte. Todavia, é a ideia da “lenda biográfica” que mais contribuiu para promover os prazeres da apreciação da arte em todos classes de amantes da arte.

Então, você conhecer a biografia de Giorgio Di Antonio Vasari, um dos italianos que contribuíram na Era Renascentista. Por isso, comente o que acabou de ler e conte-nos sobre esse grande artista italiano.

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I – Processo administrativo no Brasil via consulado italiano;

II – Processo administrativo na Itália via comune;

III – Processo Judicial na Itália no Tribunal de Roma via “materno” ou “paterno” contra as filas consulares.

Os italianos são conhecidos em todo o mundo por serem pessoas amigáveis, prestativas, respeitosas, educadas e atenciosas. Assim sendo, eles são geralmente muito agradáveis ​​e fáceis de conviver.

Além disso, os italianos são um povo de tradição – e eles têm algumas tradições importantes que permaneceram comprovadas e verdadeiras ao longo dos anos.

E, por esse motivo, o blog Benini & Donato Cidadania Italiana trouxe para você aprender IV importantes tradições italianas que existem há séculos.

IV Tradições italianas que existem há séculos

I – Família

A ideia de família é um dos valores mais importantes da cultura italiana. E, embora nós brasileiros geralmente pensemos na família como sua família imediata (mãe, pai e filhos), os italianos pensam na família como toda a sua família estendida (tias, tios, primos, avós e mais).

Sendo assim, os italianos simplesmente adoram passar o tempo com suas famílias; a maioria dos italianos nunca se afasta muito de casa e gosta de se encontrar com seus entes queridos com frequência.

Mesmo quando as crianças italianas se tornam adultas, elas são ensinadas a permanecer tão próximas de suas famílias com o passar do tempo.

II – Arte e Arquitetura

Os italianos definitivamente apreciam a arte e a arquitetura clássicas. Desse modo, não é para tanto, pois eles cresceram em torno de algumas das estruturas mais famosas do mundo: o Coliseu, a Torre Inclinada de Pisa e a Capela Sistina.

Além disso, a arte está em toda a Itália. Então, mesmo em uma visita rápida, você encontrará vários museus, igrejas e prédios públicos com arte e arquitetura de tirar o fôlego.

Finalmente, se você está procurando uma casa de moda de renome mundial, você encontrará várias na Itália, incluindo Armani, Gucci, Benetton, Versace e Prada – só para citar alguns.

III – Comemorações de férias

Os italianos adoram uma boa festa e encontrarão qualquer desculpa para dar uma festa! Desse modo, as principais celebrações do feriado acontecem na Itália nas seguintes comemorações:

• Natal;
• Páscoa;
• Pasquetta (ocorre na segunda-feira de Páscoa e envolve piqueniques em família para dar as boas-vindas à primavera);
• Dia dos Santos (ocorre em 1º de novembro e envolve decorar os túmulos de familiares falecidos);
• Dia da Libertação (ocorre em 25 de abril e marca o fim da Segunda Guerra Mundial na Itália em 1945).

Além desses feriados importantes, os italianos adoram celebrar o dia da festa do santo padroeiro de sua cidade.

IV – Comida

Quem poderia esquecer a comida? Assim sendo, a cozinha italiana pode ser a sua tradição mais importante. Então, para os italianos, comida não é apenas nutrição…comida é vida.

Enquanto os italianos cozinham suas refeições, eles veem o preparo dos alimentos como uma arte. Assim sendo, os alimentos mais populares na Itália são queijos e massas (penne, espaguete, linguine, fusilli e lasanha).

Ademais, a bebida mais popular da Itália? Vinho, claro!

Essas IV tradições são simplesmente básicas na cultura italiana. Assim sendo, sem elas, a Itália não seria a Itália. Agora que você conheceu essas IV importantes tradições italianas, qual você já conhecia? Compartilhe conosco!

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