Arte e Cultura Italiana

O pintor italiano Giovanni Battista Tiepolo (1696-1770) é famoso pelo brilho de suas cores. Ademais, pela rapidez e espontaneidade de sua execução e pela liberdade arejada de seus afrescos repletos de figuras flutuando nas nuvens.

Sendo assim, hoje o blog Benini & Donato Cidadania Italiana descreverá rapidamente um pouco sobre a vida e obra desse artista italiano. Portanto, convidamos você a ler abaixo.

Giovanni Battista Tiepolo – Vida e trabalhos

Giovanni Battista Tiepolo nasceu em Veneza em 5 de março de 1696. Assim sendo, seu pai, que era co-proprietário de um navio, morreu quando Tiepolo tinha apenas um ano de idade.

Todavia, a família foi deixada em circunstâncias confortáveis. E, quando jovem, ele foi aprendiz de Gregorio Lazzarini, um pintor elegante. E conhecido por suas composições teatrais bem elaboradas e muito grandiosas.

Então, Tiepolo logo desenvolveu um estilo próprio mais espirituoso. Logo, aos 20 anos já expôs o seu trabalho de forma independente. Desse modo, foi aplaudido numa exposição realizada na igreja de S. Rocco.

No ano seguinte, tornou-se membro da Fraglia, ou guilda de pintores. Em 1719 casou-se com Cecilia Guardi, cujo irmão Francesco se tornaria famoso como pintor da cena veneziana.

Assim sendo, tiveram nove filhos, entre eles Giovanni Domenico e Lorenzo Baldassare, que também eram pintores.

Na década de 1720, Tiepolo realizou muitas encomendas de grande escala no Norte da Itália continental. Desses, o mais importante está sendo o ciclo de cenas do Antigo Testamento que foi feito para o patriarca de Aquileia, Daniele Dolfin, no novo Palácio do Arcebispo de Udine.

Desse modo, Tiepolo abandonou os tons escuros que caracterizaram seu estilo inicial e se voltou para as cores brilhantes e vivas que o tornaram famoso.

Criador de mitos

A partir da década de 1730, Tiepolo dedicou-se principalmente a temas seculares: mitologias e alegorias que glorificavam Veneza e suas famílias nobres.

Sendo assim, a grande necessidade que essas pinturas preencheram está enraizada na história veneziana. E, nos dias de Tiepolo, Veneza vivia sob uma sombra.

Logo, sua história de 1.000 anos como um estado independente estava prestes a chegar ao fim. E durante séculos Veneza permaneceu segura. E próspera atrás de paredes de madeira e água.

Dessa maneira, os seus navios o protegiam e traziam riquezas além do mar Adriático. Também as suas igrejas brilhavam com ouro oriental.

Outrora Veneza foi a grande potência do Mediterrâneo, diante da qual os turcos fugiram e até a distante Bizâncio tremeu. Mas no século XVIII enquanto ainda havia muito ouro, quase não havia energia.

Naturalmente, aqueles que amavam Veneza procuravam fugir para o sonho de um passado glorioso. Então, tentaram estender esse sonho para abranger também o presente e seu porta-voz foi Tiepolo.

Logo, foi ele quem afastou as sombras. Em seu lugar, ele criou um mundo inundado de luz solar. E nela flutuam os deuses e as deusas da mitologia, as alegorias da abundância e da vitória. Ademais, aquelas figuras de fama que alardeiam os triunfos de Veneza aos quatro cantos da terra.

Como os grandes poetas épicos, entre os quais ele deve ser justamente enumerado. Portanto, Tiepolo é um criador de mitos.

Por fim, nesses mitos, os deuses e deusas do Olimpo vigiam a nobreza e acompanham seu progresso pelos céus.

Desenvolvimento do estilo de Giovanni Battista Tiepolo

A pintura sobrevivente mais antiga que podemos atribuir com certeza a Tiepolo, o Sacrifício de Abraão (1715/1716). E que mostra-o olhando para estilos anteriores e conservadores. Então, sobretudo para Giovanni Battista Piazzetta e através dele para Caravaggio.

Logo, figuras poderosamente modeladas surgem das sombras como se fossem apanhadas por um holofote. Sendo assim, o rosto de Abraham está cheio de horror, o de Isaac com resignação. E na frente, empurrada para a frente no punho de Abraão, está a lâmina brilhante da faca do sacrifício.

Tiepolo logo abandonou esses dramas sombrios. Em seu lugar, ele criou o país das fadas brilhantes e ensolarados que vimos pela primeira vez em seus afrescos para o Palácio do Arcebispo em Udine.

Desse modo, esse novo estilo, surgiu do barroco, de forma mais suave, leve e gracioso. Logo, chamado de barroco. Então, sua obra-prima é o ciclo de afrescos no Salão Imperial da Residenz em Würzburg (1751-1752).

Essas pinturas celebram a vida de Frederico Barbarossa, que empossou o primeiro bispo de Würzburg em 1168. Mas Tiepolo situa as cenas na Veneza do século XVI. E que para ele forneceu cenários para toda a história do mundo.

Bem, até aqui Giovanni Battista Tiepolo mostra sua bela obra em meio a cores vivas. Certamente, há muitos outros detalhes para saber. Mas aqui estão informações principais. E se você gostou, então, compartilhe conosco.

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O pintor e poeta italiano Salvator Rosa (1615-1673) foi um dos inovadores do romantismo. Assim sendo, as suas pinturas mais conhecidas representam cenas de natureza selvagem, desenfreada, povoada de pequenas figuras de gênero.

E por sua expressiva contribuição, o blog Benini & Donato Cidadania Italiana abordará brevemente sobre a biografia, principais obras e legado.

Biografia de Salvator Rosa

Salvator Rosa nasceu em Nápoles em 21 de julho de 1615. Sendo assim, primeiro estudou pintura com seu tio, Domenico Greco, depois com Jusepe de Ribera e, finalmente, com Aniello Falcone.

Em 1640, depois de passar algum tempo em Roma, Rosa mudou-se para Florença, onde trabalhou como pintor para a corte dos Médici. Então, em Florença conheceu Lucrezia, que se tornou sua amante, e o poeta Giovan Battista Ricciardi, que se tornou seu amigo de longa data.

Logo, encontrando-se mal adaptado aos círculos da corte, em 1650 Rosa voltou a Roma, desta vez definitivamente. Lá, em 4 de março de 1673, casou-se com Lucrezia, com quem viveu a maior parte de sua vida adulta. E onze dias depois ele estava morto.

Rosa surge como uma figura estranhamente tocante, orgulhosa, melancólica e ferozmente independente. Então, sozinho entre os principais pintores da cidade, ele não tinha (por sua própria escolha) nenhum patrono poderoso.

Sendo assim, raramente aceitava comissões; em vez disso, tentou vender a partir do seu atelier e dar-se a conhecer através de exposições públicas, que eram raras e escassas.

Para um cliente que ousou sugerir seu próprio assunto, Rosa disse: “Vá a um oleiro, eles trabalham sob encomenda”. Em contraste, Pietro da Cortona, rival de enorme sucesso de Rosa em Roma, gabou-se de nunca escolher o tema de nenhuma de suas pinturas e, se solicitado, se recusaria a fazê-lo.

Além disso, em sua defesa da independência artística, Rosa estava muito à frente de seu tempo.

Poesia satírica

O protesto de Rosa é ainda mais claro em sua poesia satírica. Aqui ele ridicularizou a arte oficial da corte papal, especialmente a obra de Cortona e Gian Lorenzo Bernini. Mais tarde, os ataques de Rosa se estenderam ao papado.

Além disso, sua poesia lhe rendeu muitos inimigos, uma entrada no Índice de Livros Proibidos que durou 2 séculos e um lugar na história da literatura italiana, que, embora pequena, parece ser permanente.

A Gruta com Cascatas é típica das pequenas paisagens de Rosa, que seus amigos chamavam de “caprichos”. É totalmente barroco em seu manuseio pictórico, pinceladas abertas, sombras escuras.

E o empasto prateado que é usado para sugerir o brilho da água caindo. Mas também é romântico.

Acima das pequenas figuras ergue-se uma gigantesca ponte natural erodida por cachoeiras. Logo, o homem parece insignificante e irrelevante diante da grandeza da natureza.

L’umana fragilità é característica da corrente mais séria que impregna o trabalho posterior de Rosa. Assim sendo, a jovem em primeiro plano usa uma coroa de rosas amplamente abertas (que são frágeis e não permanentes).

Em seu colo está uma criança que, guiada por um esqueleto alado, escreve as palavras: “concebido em pecado, nascido para a dor, uma vida de trabalho e morte inevitável”.

Ademais, outros símbolos da impermanência são bebês soprando bolhas de sabão e queimando tufos de linho. Em nítido contraste com suas paisagens selvagens e indomáveis, o clima desses últimos trabalhos é de quietude e resignação diante do destino.

Além disso, eles refletem o então atual renascimento da filosofia do estoicismo.

Estilo de Salvator Rosa

Salvador Rosa foi um pintor barroco italiano conhecido por seu estilo pouco ortodoxo e extravagante. Logo, um proto-romântico, ele deixou para trás uma influência duradoura no desenvolvimento posterior de tradições românticas e pitorescas.

Assim sendo, uma personalidade altamente versátil, ele perseguiu várias outras formas de arte junto com a pintura. E seus interesses incluíam música, poesia, escrita, gravura e atuação.

Nascido perto de Nápoles, ele se interessou pelas artes ainda jovem. Ademais, seu pai queria que ele se tornasse advogado ou padre, mas o coração do jovem estava voltado para a arte.

Então, ele aprendeu o básico da pintura com seu tio materno e depois estudou com seu cunhado Francesco Fracanzano, que foi aluno do famoso artista Ribera.

Ele então foi aprendiz de Aniello Falcone por um tempo e até o ajudou a completar algumas de suas telas de batalha. Logo, embarcou em uma carreira independente como artista e se concentrou na pintura de paisagens, o que lhe rendeu muitos elogios.

Um indivíduo criativo, ele também se aventurou em escrever e atuar ao mesmo tempo. Ao contrário da maioria dos outros artistas da época, Rosa era ferozmente independente e não tinha um patrono poderoso.

E, assim, tinha uma veia rebelde e adotou um estilo de pintura não convencional que lhe rendeu admiradores e críticos.

Principais obras de Salvator Rosa

Salvator Rosa é mais conhecido por suas paisagens inusitadas que tinham uma sensação sombria e melancólica. Sendo assim, ele pintou vegetação crescida, montanhas irregulares, árvores carregadas de musgo. E cenas pitorescas da natureza que se afastavam radicalmente dos cenários serenos pintados por outros artistas famosos de sua época.

Suas paisagens tiveram um impacto significativo na escola de pintura de paisagem inglesa do século XIX.

Vida pessoal e legado

Enquanto em Florença ele conheceu uma mulher chamada Lucrezia com quem se envolveu em um relacionamento de longo prazo. Sendo assim, o casal tem dois filhos onde se casou com ela em 4 de março de 1673.

Para tanto, ele morreu em 15 de março de 1673 depois de sofrer de hidropisia por um tempo. Na época de sua morte, ele havia acumulado uma pequena fortuna.

Conte-nos o que achou desse artista italiano após ter lido sobre. E compartilhe conosco se já conhecia Salvator Rosa, pintor e poeta italiano.

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Cosmè (Cosimo) Tura (originalmente Cosimo di Domenico di Bonaventura), pintor italiano. E também o primeiro grande artista da Escola de Ferrara, onde foi nomeado pintor da corte para o Estes em 1452.

Assim sendo, seu estilo de figura escultural foi derivado em primeiro lugar de Mantegna, embora sua tortuosa qualidade metálica era produto da própria imaginação febril de Tura.

Além disso, ele também adquiriu um sentimento de monumentalidade de Piero della Francesca, que estava pintando em Ferrara, em 1449.

Então, vamos conhecer mais sobre esse artista italiano? Para isso, leia abaixo o que o blog Benini & Donato Cidadania Italiana preparou para você conhecer mais.

Cosimo Tura, o primeiro grande pintor da Escola de Ferrara

O pintor italiano Cosimo Tura (1430-1495) foi o principal mestre da escola de Ferrara. E um dos líderes da pintura do Norte da Itália.

Assim sendo, ele nasceu em Ferrara em 28 de abril de 1430. E se tornou pintor da corte do duque Borso d’Este em Ferrara. Assim sendo, o duque forneceu a Tura quartos na casa ducal, mais tarde deu-lhe uma casa e pagou-lhe tão bem que Tura se tornou um homem rico.

Para o duque, ele executou inúmeras encomendas no que hoje são chamadas de artes aplicadas. Além disso, documentos revelam que ele desenhou bandeiras e estandartes.

Como também fantasias para concursos, talheres e tapeçarias e que pintou parapeitos de cavalos e capacetes e escudos de torneios.

Tura nunca se casou; ele teve um filho com sua governanta. Depois que seu patrono morreu em 1471, a popularidade de Tura diminuiu.

Em seus últimos anos, ele viveu em uma torre das muralhas da cidade de Ferrara. Enfim, ele morreu em abril de 1495.

Obras e trabalhos de Cosimo Tura

Tura era principalmente um pintor religioso, seu trabalho incluía duas enormes venezianas (1469) para o órgão da Catedral de Ferrara, agora no Museo del Duomo.

Sendo assim, eles representam A Anunciação e São Jorge e a Princesa. Em Ferrara, ele forneceu pinturas para a catedral (1458), a Biblioteca del Pico (1465-67), a Capela Sacrati (1468) e a Capela Belriguardo (1472).

Então, há bons exemplos de seu trabalho em menor escala estão na National Gallery, em Londres. Em Ferrara, ele está bem representado pelos afrescos do Palazzo Schifanoia. Logo, esse palácio pertenceu à família d’Este e está localizado fora das muralhas medievais da cidade.

Além disso, Cosmè, junto com Francesco del Cossa, ajudou a produzir uma série alegórica intrincada sobre os meses do ano e os símbolos do zodíaco. Então, a série contém retratos contemporâneos de músicos, trabalhadores e carros alegóricos em desfiles idílicos.

Também Tura foi uma importante influência sobre os outros dois grandes pintores da Escola Ferrarese do século XV – Cossa e Roberti. E esse último o substituiu como pintor da corte em 1486 e Tura morreu em uma condição financeira muito baixa.

Estilo de Cosimo Tura

O estilo inicial de Tura mostra seu desenvolvimento a partir da arte gótica internacional do início do século XV em Ferrara. Logo, obras como o Retrato de um Membro da Família Este (1451), a Madona com o Menino Adormecido (1460) e uma figura alegórica (Vênus ou Primavera; 1465) exibem o gótico decorativo de mestres como Pisanello, Gentile da Fabriano e Rogier van der Weyden.

No entanto, a própria contribuição de Tura é vista em seu uso frequente de símbolos e atributos envolvidos e seu amor pelo simbolismo astrológico. Nesses primeiros trabalhos há uma preocupação com contornos cuidadosamente delineados.

Ademais, cores bastante planas e suaves e um artesanato meticuloso, características que persistiram em todas as suas pinturas.

Também o estilo maduro de Tura baseou-se no linearismo e na decoração de seus primeiros trabalhos. Mas, acrescentou uma preocupação com figuras em ação.

Todas as obras monumentais associadas a Tura datam do período 1465-1480. Em 1465-1467 decorou as paredes da biblioteca do castelo de Mirandola para o Conde Francesco I Pico (estes afrescos já não existem).

Em 1468-1469 pintou a porta do órgão da Catedral de Ferrara. O São Jorge Matando o Dragão do lado de fora da porta é todo movimento, ação e barulho; a Anunciação no interior é tranquila e silenciosa.

Há um desacordo acadêmico sobre se Tura executou algum dos afrescos (1469-1471) no Salão dos Meses no Palazzo Schifanoia, Ferrara. Para tanto, um documento que indica que Tura estava empregado em outro lugar na época foi amplamente aceito para indicar que ele não participou da decoração.

No entanto, o estilo dos afrescos, especialmente da alegoria setembro, é certamente dele, e alguns estudiosos argumentam que Tura poderia facilmente ter realizado dois projetos ao mesmo tempo.

Se ele realmente não pintou no Palazzo Schifanoia, ele deve ter ajudado na concepção dos afrescos e talvez fornecido alguns dos desenhos animados. Os pintores que executaram o ciclo foram Francesco del Cossa, Baldassare d’Este, Ercole de’Roberti e Antonio Cicognara.

Entre os trabalhos tardios de Tura, apenas o Santo Antônio de Pádua (1484) pode ser atribuído com segurança. É uma representação estranhamente convincente do santo, que é representada com uma plenitude enfática que contrasta com a textura cremosa da própria pintura.

Conte-nos o que achou desse pintor Cosimo Tura e compartilhe conosco.

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Como escultor, Verrocchio foi a figura mais importante da arte renascentista entre Donatello e Michelangelo. E que fazia obras de realização técnica sem precedentes e naturalismo e beleza de tirar o fôlego.

Assim sendo, como pintor, formou um elo direto na cadeia central da pintura florentina entre seu mestre, Fra Filippo Lippi, e seu próprio aluno, Leonardo da Vinci.

Como desenhista, ele foi uma figura central que explorou novas técnicas de mídia e funções do desenho e influenciou profundamente Leonardo, Rafael e outros.

E como professor, dirigiu um ateliê que se tornou uma espécie de laboratório de experimentação e inovação. Logo, contribuiu para a criação do Alto Renascimento no início do século XVI.

“Um homem renascentista em todos os sentidos, Andrea del Verrocchio foi um artista pioneiro e versátil, cujos talentos se destacaram por seu brilhantismo”, disse Kaywin Feldman, diretor da National Gallery of Art.

“Somos gratos às instituições e colecionadores particulares, bem como ao Bank of America e ao Buffy and William Cafritz Family Fund, sem os quais esta exposição não seria possível”

“Verrocchio era um visionário”, disse Andrew Butterfield, curador da exposição e especialista reconhecido internacionalmente no artista. Desse modo, tinha uma imaginação incansável e um impulso implacável para experimentar e melhorar o que ele ou qualquer outra pessoa havia feito antes.

Mas ele também era como o maestro de uma orquestra que poderia reunir muitos talentos e extrair o melhor deles.

Por essa razão, o blog Benini & Donato Cidadania Italiana descreverá brevemente um pouco de sua biografia, obras e brilhantismo em seus trabalhos.

Andrea Del Verrocchio – Biografia de um dos pintores florentinos na época renascentista

Verrocchio, Andrea 1435–88, escultor e pintor florentino, cujo nome verdadeiro era Andrea di Michele di Francesco di Cioni. Assim sendo, foi uma figura de destaque no início do Renascimento.

E sua oficina era um centro de treinamento de jovens artistas em Florença. Desse modo, um metalúrgico virtuoso, Verrocchio estava preocupado principalmente com a representação espirituosa do movimento e a elaboração de detalhes.

Além disso, muitas de suas pinturas estão perdidas. Dos restantes painéis, a sua mão é evidente no Batismo de Cristo (Uffizi), assistido por Leonardo da Vinci.

No retábulo de Pistoia foi auxiliado por Lorenzo di Credi. Ademais, outras atribuições são Tobias and the Angel (National Gall., Londres). Também duas pinturas da Madonna e do Menino (National Gall., Londres; Berlim) e uma Crucificação com Santos (Argiano).

Então, a maioria das realizações de Verrocchio na escultura sobreviveu. E seu trabalho anterior inclui o ousado grupo Incredulity of St. Thomas (Orsanmichele).

Em 1472, ele projetou os túmulos de Piero e Giovanni de’ Medici (San Lorenzo). No mesmo período, ele criou o gracioso Menino com um Golfinho e um retrato ágil de David (Bargelo).

Além disso, foi para Veneza (1480) para trabalhar no monumento equestre do condottiere Bartolomeo Colleoni. Logo, Verrocchio desenhou uma figura maciça do comandante, que só foi lançada após a morte do escultor.

Exemplos de seu trabalho em bronze estão no Metropolitan Museum, e há dois bustos de Giuliano e Lorenzo de’ Medici na National Gallery of Art, Washington DC.

Vida e Influência como pintor

Andrea del Verrocchio, nascido Andrea di Michele di Francesco de’ Cioni, foi um escultor, pintor e ourives italiano. E que foi mestre de uma importante oficina em Florença.

Sendo assim, aparentemente ficou conhecido como Verrocchio após o sobrenome de seu mestre, um ourives.

O que Andrea del Verrocchio fez?

Verrocchio foi um dos principais artistas da Florença do final do século XV. Sendo assim, é celebrado principalmente como escultor, embora vários pintores importantes tenham treinado em seu estúdio, incluindo Leonardo da Vinci.

Então, ele se formou como ourives e passou a trabalhar como escultor e pintor.

Quem treinou Andrea del Verrocchio?

Verrocchio treinou não apenas como ourives e escultor, mas também como pintor, provavelmente, com o mestre do início da Renascença Fra Filippo Lippi.

Logo, os retábulos e quadros devocionais de Verrocchio distinguem-se pelo enfático sentido de espaço e volume tridimensional, derivado de sua experiência em escultura.

Muito interessante, verdade? Então, conte-nos o que mais chamou a sua atenção sobre a biografia de Andrea Del Verrocchio, um dos artistas mais influentes de Florença, Itália.

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Fatos sobre David de Michelangelo

Indiscutivelmente, uma das obras de arte mais reconhecidas do mundo chama-se David de Michelangelo. Assim sendo, você poderá encontrá-lo na Galleria Dell’Accademia em Florença, onde ainda guarda alguns pequenos segredos que o mundo não conhece.

Então, o blog Benini & Donato Cidadania Italiana reuniu uma pequena lista com alguns dos fatos sobre David de Michelangelo menos conhecidos. Portanto, convidamos a ler. Boa leitura!

IX Fatos sobre David de Michelangelo

I – David é uma peça maravilhosa de mármore

Antes de Michelangelo começar a trabalhar nele, o bloco de mármore que se tornou David foi rejeitado por dois artistas anteriores. Sendo assim, Agostino di Duccio e Antonio Rossellino, ambos tentaram e decidiram que era muito difícil trabalhar com ele.

Desse modo, esperou 42 anos para que Michelangelo o encontrasse e criasse sua obra-prima.

II – A obra era um símbolo da República Florentina

Em uma época de grandes mudanças políticas, David se tornou um símbolo da força da República Florentina. Assim como David enfrentando Golias, a República foi ameaçada por estados mais fortes de todos os lados, para não mencionar a recuperação do poder da Família Medici.

Quando David estava sendo colocado do lado de fora dos prédios do governo da cidade na Piazza della Signoria, essa conexão se solidificou na mente do público.

III – A inspiração de Michelangelo

Um dos maiores segredos de Michelangelo levou 500 anos para descobrir: David tem estrabismo. Sendo assim, aqueles olhos voltados para Roma estavam sendo criados através de um truque de perspectiva, na realidade Michelangelo deu intencionalmente uma deficiência à sua obra-prima.

IV – Consequências políticas está entre os fatos sobre David de Michelangelo

Ser tão político pode ter sua queda, como David bem sabe. Assim sendo, ele foi alvo de manifestantes furiosos duas vezes durante seus primeiros dias na Piazza della Signoria. Na primeira vez ele estava sendo atacado com pedras e na segunda vez os manifestantes quebraram seu braço com sucesso em 3 lugares.

V – Um David com centenas de réplicas

Há mais de um David: só em Florença, existem duas réplicas de David, mas em todo o mundo existem pelo menos 30 réplicas em tamanho real da estátua. Logo, isso sem falar nas centenas que estavam sendo produzidas para manifestações de arte popular ou para a indústria do turismo.

VI – A impropriedade de David

Em 1857, o Grão-Duque da Toscana corou todas as damas quando presenteou uma réplica de David à Rainha Vitória. Desse modo, a rainha achou a forma nua de David tão escandalosa. Logo, criou uma folha de figueira para preservar a sua modéstia.

Então, a folha de figueira podia ser presa e removida com bastante facilidade para que, sempre que a rainha visitasse David, ele pudesse ser adequadamente coberto.

VII – A questão da propriedade está entre os fatos sobre David de Michelangelo

A quem pertence David? É a cidade de Florença ou a nação da Itália? Em 2010, uma briga eclodiu entre o governo italiano e a cidade de Florença sobre a propriedade da estátua.

Logo, a cidade de Florença tinha a maior reivindicação, pois havia pago pela estátua 500 anos antes e que foi feita para Florença. Enquanto o governo italiano argumentou que financiou a mudança das estátuas para a Galleria Dell’Accademia. Logo, um museu estatal e também pagou por sua conservação por mais de 150 anos.

Por fim, a questão ainda não está resolvida, por isso, vivemos em ambiguidade sobre esse assunto.

VIII – A árvore de David não é apenas para mostrar

O tronco de árvore atrás da perna de David não está lá para definir o cenário, é realmente importante para a integridade estrutural das estátuas maciças.

Logo, cinzelar demais o mármore causaria muito estresse ao bloco e potencialmente faria com que ele se quebrasse. Então, o caminhão da árvore estava sendo deixado para evitar que isso acontecesse. Enfim, um truque comum usado na escultura e você notará na maioria das estátuas.

IX – Já foi adornado com ouro está entre os fatos sobre David de Michelangelo

David nem sempre estava completamente nu, no início as partes da estátua dornadas com folhas de ouro. Assim sendo, a árvore e sua funda em particular eram de ouro.

E ele também tinha uma guirlanda de ouro que cobria seus quadris que protegia sua modéstia. Enfim, eles provavelmente poderiam ter acrescentado algo semelhante quando apresentaram uma estátua nua do homem perfeito diante da rainha da Inglaterra!

Então, conte-nos o que mais chamou a sua atenção nesses IX fatos sobre David de Michelangelo. Até mais!

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Nascido em Bolonha, em 1578, conheça a biografia de Francesco Albani

Pintor italiano, filho de um comerciante de seda, Francesco Albani com 12 anos começou a estudar na escola de Denis Calvert. E lá conheceu Domenichino e Guido Reni. Em seguida, mudou-se para a Academia da família Carracci.

Sendo assim, em 1600 mudou-se para Roma, onde trabalhou no Palazzo Farnese. E foi um dos assessores mais próximos caracci Annibale nos afrescos da Igreja de San Giacomo degli Spagnoli e Palazzo Mattei di Giove.

E que então trabalhou nas igrejas de Santa Maria della Pace, San Sebastiano Fuori Le Mura e outros. Depois de 1625, Albani retornou a Bolonha.

Desse modo, por seu belo trabalho de pintura barroca, o blog Benini & Donato Cidadania Italiana abordará brevemente sobre sua biografia e suas obras. Portanto, continue lendo até o final e conheça esse grande artista.

Biografia de Francesco Albani – 1578 – 1660

Francesco Albani é um artista com muitas habilidades na pintura. Assim sendo, se especializou como pintor de afrescos e também foi desenhista.

Em sua época, o movimento artístico se encontrava no Barroco e, por isso, suas obras refletem esse tempo em todas as suas pinturas/obras. Mas, nem tudo foi um caminho florido, pois seu pai não queria que ele se tornasse pintor.

Assim sendo, o seu pai, Albani, era um mercador de seda bolonhês que não aceitava a ideia de Francesco seguir a carreira de pintor.

Todavia, o jovem Albani sabia desde cedo que a arte estava em seu coração e ele faria isso para ganhar a vida.

Mas, sendo um orgulhoso patriarca, o padre Albani empurrou seu filho para se tornar um comerciante de seda ou ingressar na advocacia como jurista. Para tanto, as coisas melhoraram quando o pai de Francesco morreu.

Daí, então, Albani estava livre para perseguir seus objetivos de vida e entrou sem obstáculos no mundo das belas artes. E considerando que os Albanis eram uma das principais famílias de Bolonha, o salto provavelmente não foi tão difícil.

Além disso, o gênero que mais Albani se concentrou foram estes:

• Pintura religiosa, pintura histórica e pintura mitológica.

Albani nasceu em Bolonha, na Itália em 17 de março de 1578. E morreu na mesma cidade em que nasceu no dia 04 de outubro de 1660. Então, durante em vida, teve atuações em diferentes lugares que vale a pena destacar:

• Bolonha (1591-1600);
• Roma (1600-1609);
• Bolonha (1609);
• Viterbo (1609-1610);
• Bolonha (1610);
• Roma (1610-1617);
• Bolonha (1618-1660);
• Mantova (1621-1622);
• Roma (1623-1625);
• Florença (1633).

Vida de Francesco Albani

Francesco passou a viver uma vida bem-sucedida, embora sem intercorrências, em Roma. Assim sendo, casou-se e teve filhos.

Logo, a família era digna de modelo, com sua esposa e filhos atuando como temas para muitas de suas obras.

Ademais, Albani vivia de pinturas de gabinete mitológicas e foi o primeiro italiano a fazê-lo. Então, as coisas continuaram indo bem até que a primeira esposa morreu.

Mas Albani despreocupado acabou de voltar para Bolonha com as crianças e se casou novamente. Por fim, ele foi um dos artistas mais respeitados em Bolonha pelo resto de sua vida.

Obras do artista barroco italiano Francesco Albani

O pintor italiano Francesco Albani concluiu mais de 16 obras. E aqui vamos nomear cada uma delas para você conhecer. Então, eis abaixo:

• Mercúrio e Apolo;
• A Deusa Diana transforma Acteon em um cervo;
• O banheiro de Vênus;
• O estupro de Europa;
• A anunciação;
• O batismo de Cristo;
• Mulheres santas no túmulo de Cristo;
• Virgem;
• Outono;
• Vênus com a participação de ninfas e cupidos;
• Verão;
• Mola;
• Diana e Acteon;
• Inverno;
• A Madona e a criança;
• Dormição da Theotokos;
• E outras.

E aqui finalizamos a biografia de Francesco Albani, resumidamente. Também você conheceu algumas de suas belas obras que deixou se eternizarem.

Portanto, se preferir, conte-nos sobre o que achou. Enfim, se já havia conhecido esse pintor italiano, comente.

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Resgatando suas origens

Processos de direito ao reconhecimento de cidadania italiana:

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Conheça a vida e obra de Daniele de Volterra

Massacre dos Inocentes é a principal obra de Daniele de Volterra, um dos pintores italianos mais consagrados de sua época.

Assim sendo, por seu belo trabalho que se distingue pela beleza de cores e verdade vigorosa, ele se tornou um artista muito importante e que se tornou amigo de Michelangelo.

E para você conhecer sobre esse renomado pintor, escultor, discípulo e amigo de Michelangelo, o blog Benini & Donato Cidadania Italiana te convida a ler abaixo sobre a vida e obra de Daniele de Volterra.

Vida e obra de Daniele de Volterra – 1509 -1566

Daniele Ricciarelli é o nome original desse grande pintor e escultor italiano. Mas, você deve estar se perguntando, então, porque ele se chama Daniele Volterra, verdade? Bem, vamos explicar!

Ele nasceu em 1509, numa província chamada Volterra, na Toscana. Desse modo, por sua influência e excelentes trabalhos, seu sobrenome acabou mudando para o mesmo de seu nascimento, o qual ficou conhecido como Daniele Volterra.

Desse modo, quando garoto entrou nos estúdios de Bazzi (Il Sodoma) e de Baldassare Peruzzi em Siena. Todavia, não foi bem recebido e, por isso, partiu para Roma.

E lá foi onde encontrou seu primeiro emprego. Assim sendo, formou uma amizade com Michelangelo. E ele o ajudou com encomendas, ideias e sugestões, especialmente, para sua série de pinturas em uma das capelas da Trinità dei Monti.

Então, por um excesso de elogios, seu maior quadro, a Descida da Cruz, foi em certa época agrupado com a Transfiguração de Rafael e a Última Comunhão de Domenichino, como as imagens mais famosas de Roma.

Para tanto, a sua principal obra foi o Massacre dos Inocentes. E que pintou para a Igreja de São Pedro em Volterra, agora na Galeria Uffizi, em Florença.

Obras e trabalhos de Daniele Volterra

Volterra foi contratado por Paulo III para completar a decoração da Sala Regia. Assim sendo, com a morte do papa (1549), perdeu o cargo de superintendente das obras do Vaticano e da pensão a que lhe dava direito.

Logo, ele então se dedicou principalmente à escultura. Além disso, encarregado por Paulo IV de fornecer cortinas para algumas das figuras nuas no magnífico Juízo Final de Michelangelo.

E, assim, ele obteve assim o apelido odioso de “Fabricante de Calções” ou “Il Bragghetone”. Por fim, sua Vitória de Davi sobre Golias agora no Louvre, é tão boa que durante anos foi atribuída a Michelangelo.

Características das obras de Daniele Volterra

Seu trabalho se distingue pela beleza de cores, clareza, excelente composição, verdade vigorosa. Também oposições curiosamente estranhas de luz e sombra.

Então, como se aproxima de Michelangelo, ele é um artista de grande importância. E onde também participa da doçura de Sodoma, isso torna a obra cheia de maneirismos e possui uma certa beleza exagerada.

Muito do fascínio de sua carreira reside no desenvolvimento de seu estilo de origens provincianas para uma maneira altamente sofisticada. Logo, combina os elementos mais talentosos da arte de Michelangelo, Rafael e seus seguidores maneiristas de uma maneira distinta e altamente original.

Além disso, forneceu um modelo influente para vários artistas posteriores em Roma. Ademais, seu trabalho notável em escultura inclui Cleópatra e um busto de bronze de Michelangelo, bem como um retrato de bronze da máscara mortuária de Michelangelo.

Alguns dos elogios de suas obras pintadas aparecem na Enciclopédia Católica de 1913, dizendo:

“Sua obra se distingue pela beleza das cores, clareza, excelente composição, verdade vigorosa e oposições curiosamente estranhas de luz e sombra… as perigosas alturas da sublimidade, e não possuindo as maneiras calmas do mestre, estão aptas a escorregar”.

Então, conte-nos o que pensa da vida e obra de Daniele de Volterra, um dos ícones e representações mais significativos da arte do maneirismo.

Benini & Donato Cidadania Italiana

Resgatando suas origens

Processos de direito ao reconhecimento de cidadania italiana:

I – Processo administrativo no Brasil via consulado italiano;

II – Processo administrativo na Itália via comune;

III – Processo Judicial na Itália no Tribunal de Roma via “materno” ou “paterno” contra as filas consulares.

Fórum Romano é um dos atrativos turísticos que você não pode perder ao viajar para Roma. Assim sendo, o blog Benini & Donato Cidadania Italiana mostrará nessa Parte III alguns detalhes sobre ele.

Então, você lerá o que era o Fórum, o que é o Monte Palatino e outras perguntas que, geralmente, muitas pessoas tem acerca de sua existência. E para descobrir alguns passeios, leia a Parte I e Parte II. Portanto, confira a seguir.

O que era o Fórum Romano?

O Fórum Romano era a área administrativa da Roma Antiga. Logo, era o coração da cidade, o lugar onde aconteciam os assuntos religiosos, jurídicos e políticos e, como tal, o coração pulsante da vida política em Roma.

Sendo assim, há templos, alguns ainda visíveis, basílicas (uma espécie de sala de reuniões, na altura), edifícios religiosos. E, claro, ruas e edifícios comemorativos, como os arcos ainda de pé nos dois lados do fórum.

O que é o Monte Palatino?

O Monte Palatino é uma das 7 colinas de Roma e geralmente é mencionado com o Fórum Romano. Então, fica logo ao lado e é acessível a partir do próprio Fórum.

Também a colina é historicamente significativa e bonita. Desse modo, você tem as ruínas dos palácios dos imperadores, um museu, escavações em andamento e vistas deslumbrantes sobre Roma.

O Fórum Romano é bonito? Vale a pena ver?

Não há dúvida de que o Fórum Romano é um local imperdível para quem se interessa pela Roma Antiga. Todavia, vale a pena ver também se você quer apenas observar um lugar impressionante.

Então, a área do fórum é simplesmente deslumbrante! Além disso, agora é um parque arqueológico ao ar livre e você pode facilmente apreciá-lo apenas como um lugar para um passeio.

Se você for em um dia, especialmente, na primavera ou no outono, o fórum é simplesmente de tirar o fôlego: você pode caminhar facilmente de um lado para o outro em questão de minutos e pode simplesmente seguir sua curiosidade escolhendo as áreas que o atrai mais.

Além disso, a parte que muitos acham bonita do Fórum Romano é a subida do Horti e do Monte Palatino. Logo, sentirá os passos em suas pernas, mas, uma vez no topo, você terá as ruínas dos palácios dos imperadores e as vistas sobre Roma que são simplesmente de tirar o fôlego!

Os pinheiros que são típicos da paisagem de Roma emolduram o Coliseu e o Fórum abaixo e proporcionam uma oportunidade fotográfica como nenhuma outra!

Dicas para a visita ao Fórum Romano

Você deve ter em mente ao visitar o Fórum: a praticidade. Logo, bons sapatos são obrigatórios e roupas adequadas ao clima para a estação de sua visita também serão importantes.

Além disso, o Fórum Romano é um lugar tão cheio de história e coisa para ver que é melhor apreciado com um guia. Logo, a área tem painéis de informação quase inexistentes, então, sem algum tipo de orientação, você pode apreciar sua beleza, mas não entenderá muito.

Como começar o passeio? Então, você pode iniciar pela entrada prioritária no Coliseu, Fórum e Monte Palatino com guia. Além disso, geralmente, leva entre 2 e 3 horas para visitar o Fórum Romano, mas pode ser que seja mais.

Tecnicamente, você pode gastar o pouco ou o tempo que quiser aqui, no entanto, acho que nesse período você pode ver algumas das áreas mais impressionantes do fórum, como o templo de Antonino e Faustina, a Casa das Vestais e o Horti e também o Monte Palatino.

Primavera e outono

Na primavera e no outono, as melhores estações para visitar Roma, você pode ir praticamente a qualquer hora do dia, com apenas uma ressalva: o final da manhã e a hora do almoço podem ficar lotados!

Além disso, você não tem restrições particulares quando se trata de clima e horário de visita, na época média. A situação muda se você estiver visitando no inverno ou no verão.

No inverno, a melhor hora do dia para visitar o Fórum e o monte Palatino está sendo no final da manhã/almoço. Ademais, o Fórum e ainda mais o Palatino podem ficar muito frios no inverno e estar lá nas horas mais quentes do dia vai fazer você aproveitar sua visita.

O Fórum Romano no verão fica escaldante, então, evite a todo custo na hora do almoço e nas horas mais quentes do dia.

A melhor hora do dia para visitar o Fórum Romano no verão é de manhã cedo ou no final da tarde (confira a hora da última admissão, você quer ter tempo suficiente).

O terreno no Fórum é irregular, por isso recomenda-se usar bons sapatos de caminhada ou tênis: sem salto. Ademais, há pouca sombra no fórum, portanto, especialmente na estação mais quente, é importante usar um chapéu.

Esperamos que essa viagem ao Fórum Romano possa ter instigado você a conhece-lo mais ainda. E se já teve a oportunidade de visitar, conte-nos algumas dicas abaixo.

Benini & Donato Cidadania Italiana

Resgatando suas origens

Processos de direito ao reconhecimento de cidadania italiana:

I – Processo administrativo no Brasil via consulado italiano;

II – Processo administrativo na Itália via comune;

III – Processo Judicial na Itália no Tribunal de Roma via “materno” ou “paterno” contra as filas consulares.