Monthly Archives: julho 2022

Cenni di Petro Cimabue, pintor florentino do século XIII, deixou para trás alguns importantes desenvolvimentos estilísticos que ajudariam a mover sua geração para o Renascimento Italiano que se seguiu logo depois.

Assim sendo, o estilo usado por Cimabue em seus retratos estava sendo mais sutil do que o visto anteriormente, onde uma semelhança mais precisa com a realidade agora estava sendo usada.

Logo, o artista exibiria uma compreensão mais complexa da forma que permitia que suas figuras parecessem realmente realistas. Desse modo, continuou a usar o estilo de perspectiva plana desse período.

Mas, seus avanços no retrato, auxiliados por outros desenvolvimentos em outros lugares da Itália, forneceram as bases para a transição da arte medieval para a grandeza da era renascentista.

Além disso, Cimabue também orientou vários outros artistas significativos que também teriam um impacto dessa maneira, principalmente Giotto di Bondone (como afirma Giorgio Vasari), embora isso seja questionado por alguns acadêmicos.

“Cimabue foi, em certo sentido, a principal causa da renovação da pintura. Giotto realmente eclipsou a fama de Cimabue, assim como uma grande luz eclipsa uma muito menor…”  – Giorgio Vasari

E hoje você descobrirá brevemente sobre esse artista italiano que atuou como pintor florentino. Além disso, criou o mosaico e foi o último a seguir a tradição bizantina deixando um legado impressionante!

Portanto, confira tudo aqui no blog Benini & Donato Cidadania Italiana sobre seu estilo e legado.  

Estilo de Cimabue e a arte bizantina

O estilo encontrado na arte bizantina há muito influenciou artistas italianos. E, embora encontremos muitos desses elementos na obra de Cimabue, há novas ideias usadas que inteiramente de sua autoria.

Logo, não surpreendentemente, portanto, descobrir que a maioria de seus primeiros tutores teria sido do meio bizantino. E que ele optou inicialmente por seguir esse mesmo estilo.

Talvez, à medida que ele crescesse em confiança, um estilo mais pessoal estive sendo desenvolvido, como tem sido o caso de artistas mais famoso sem seus primeiros anos.

Dessa maneira, o primeiro exemplo dessa nova direção é datado de 1270 e marcou um momento significativo na história da arte. Também foi, especificamente, uma bela representação da Crucificação na Igreja de San Domenico em Arezzo, que fica na Toscana moderna.

Para tanto, a peça estava sendo finalizada em cinomose e ouro sobre painel de madeira e pende do teto.

Cimabue e os mosaicos

O próprio Cimabue foi altamente qualificado na produção de alguns mosaicos impressionantes durante sua carreira. Mas, estes tendem a ser esquecidos em comparação com suas pinturas.

Havia um grande mosaico de Cristo Entronizado entre a Virgem e São João Evangelista que foi instalado no Duomo de Pisa que talvez seja sua contribuição mais famosa para este meio.

Ele provavelmente teria produzido muito mais do que isso, mas há uma falta de documentação a esse respeito. Muitas de suas obras em todos os meios estavam sendo perdidas devido ao desgaste ao longo do tempo.

E, em outros casos, estavam sendo atribuídas erroneamente a outras, antes de corrigidas posteriormente. Além disso, algumas das cores mais brilhantes usadas pelo artista em suas pinturas envelheceram particularmente mal.

Pois, com o impacto da oxidação secular nunca tendo sido considerado no momento em que foram concluídas.

Vida e legado de Cimabue

Pelos registros históricos, Cimabue passou grande parte de sua juventude praticando seus talentos como desenhista. Logo, desenhando infinitamente todos os tipos de figuras diferentes para aperfeiçoar sua capacidade de retratar com precisão a aparência natural de tudo o que estava vendo na época.

Isso mostrou imediatamente que ele seria um artista que desenvolveria sua compreensão histórica da pintura em paralelo com a satisfação de uma forte imaginação.

Ele respeitava e aprendia com tutores que estavam firmemente no campo da arte bizantina tradicional. Mas também tinham independência de espírito suficiente para considerar maneiras pelas quais seu próprio toque pessoal poderia estar sendo implementado dentro dela.

Na maioria dos casos, os tutores ofereceram métodos históricos que as gerações mais jovens procurarão modernizar ou desenvolver com sua própria inspiração artística.

Um elemento de sua carreira que inegavelmente prejudicou um pouco seu legado teria que ser a atmosfera de incerteza que existiu em torno da carreira de Cimabue por muitos séculos.

Muitas obras de Cimabue se perderam

Assim sendo, temos apenas algumas obras de arte restantes de sua carreira. E com a maioria destruída ou danificada além do reparo ao longo dos séculos que se passaram desde que foram reveladas ao mundo pela primeira vez.

Também temos um cenário em que muitas de suas obras nunca foram atribuídas corretamente ao artista, com várias, mesmo nos últimos anos, sendo descobertas e atribuídas a ele pela primeira vez.

Isso nos nega a oportunidade de admirar facilmente seu trabalho pessoalmente, o que torna mais difícil para os curadores modernos promover seu legado através do tipo de exposições que mantiveram outros artistas desse período em nossas mentes.

Mesmo na morte, uma certa quantidade de promoção é necessária para evitar que grandes artistas estejam sendo esquecidos entre o público. E mesmo que os acadêmicos ainda estejam bem cientes de suas realizações críticas.

Felizmente, a quantidade de atenção que permanece focada no Renascimento italiano garante que as principais figuras na construção dele sempre sejam vistas como significativas por direito próprio.

Aqui finalizamos a obra desse pintor italiano florentino, o Cimabue. E se você já o conhecia, nos conte escrevendo abaixo!

Benini & Donato Cidadania Italiana

Resgatando suas origens

Processos de direito ao reconhecimento de cidadania italiana:

I – Processo administrativo no Brasil via consulado italiano;

II – Processo administrativo na Itália via comune;

III – Processo Judicial na Itália no Tribunal de Roma via “materno” ou “paterno” contra as filas consulares.

Escondido em uma pequena sala no centro da Itália, longe da vanguarda de sua época, Giorgio Morandi trabalhou meticulosamente para desvendar os quebra-cabeças da arte.

Ademais, as questões da pintura moderna, procurando a estrutura e a ordem que subjaz ao processo de própria representação. Com uma seleção esparsa de objetos domésticos e paisagens familiares, pintadas em tons suaves e luz quente, Giorgio Morandi uniu o grande legado da arte italiana e do modernismo do século XX.

Com relações tonais cuidadosamente elaboradas e uma sensação de luz e espaço palpáveis, suas pinturas estenderam uma tradição de pintura representacional.

Enquanto criavam uma estética minimalista que permanecia relevante diante da abstração. Em última análise, o estilo poético de Morandi não escapou à atenção de seus contemporâneos.

Além disso, deixou um legado para gerações de pintores representativos. Por essa razão, o blog Benini & Donato Cidadania Italiana abordará sobre esse pintor italiano, suas conquistas, infância, biografia e muito mais. Confira!

Conquistas de Giorgio Morandi

Morandi fundamentou seu trabalho em formas familiares. Também universais e ainda sugeriu uma qualidade autobiográfica em seu manuseio cuidadoso da pintura. E atenção a uma qualidade italiana identificável da luz.

Embora ele pintasse objetos domésticos genéricos, os críticos notaram como sua representação desses objetos transmitia uma sensação da personalidade de Morandi, hábitos monásticos e ambiente bolonhês.

Seu corpo de trabalho fortemente unificado seria influente por seu estudo minucioso de elementos comuns da vida cotidiana. E, imbuindo-os de implicações de significado mais profundo, enfatizando sua beleza e simplicidade pictóricas.

Envolvido com seus próprios experimentos pictóricos, Morandi aparentemente não foi afetado pelos movimentos da arte contemporânea quando a vanguarda estava predominantemente interessada na pintura abstrata.

No entanto, suas preocupações eram semelhantes aos experimentos de seus contemporâneos. Então, por exemplo, ele abordou cor, linha, luz, espaço e pincelada, como problemas a serem resolvidos por meio de estudo cuidadoso e ajustes sutis.

Giorgio Morandi estendeu sua pintura até século XX

Seu realismo não era a simples reprodução de um assunto; comparando as pinturas de Morandi com as fotografias dos objetos que ele retratava, suas manipulações de volume, forma e espaço ficam claras. Como crítico contemporâneo, JT Soby exclamou: “[Morandi separa] volumes e cores e depois os entrelaça novamente em uma alquimia que só ele entendia”.

Com sua atenção à técnica e precisão meticulosa, Morandi estendeu o legado da pintura italiana até o século XX. Mas, deu-lhe nova relevância com seu estilo minimalista e foco não narrativo.

A paleta esparsa, as linhas limpas e a pincelada cuidadosa das naturezas-mortas de Morandi são inconfundivelmente modernas e sua atenção à técnica. E à fisicalidade da superfície pintada conectou os pintores posteriores às grandes tradições dos gêneros de natureza morta e paisagem.

Biografia de Giorgio Morandi – Infância e Educação

Giorgio Morandi era o mais velho de cinco filhos, nascido em uma família de classe média em Bolonha, Itália. Assim sendo, seu único irmão morreu na infância.

Para tanto, Morandi desenvolveu desde cedo o interesse pela arte. E, desagradando o pai, que queria que o filho se juntasse a ele em seu negócio de exportação, Morandi tentou isso sem sucesso em 1906 antes de se matricular na Academia de Belas Artes de Bolonha em 1907.

Dessa maneira, a sua busca pela arte como carreira se deve em parte ao seu fracasso na empresa de seu pai. E sua resistência em mudar seu foco na arte apesar dos melhores esforços de seu pai. Também por causa da crença de sua mãe de que seu filho deveria seguir seus sonhos.

Treinamento inicial

Embora a morte inesperada de seu pai em 1908 o tenha deixado para cuidar de sua mãe e três irmãs mais novas, Morandi continuou seus estudos com o apoio de sua mãe.

Foi durante este estudo que ele foi exposto pela primeira vez ao futurismo e ao cubismo, o que influenciou seus primeiros trabalhos. Além disso, Morandi também estudou os Velhos Mestres, explicando em sua autobiografia de 1928 que “somente uma compreensão das realizações mais vitais da pintura ao longo dos séculos passados ​​poderia me ajudar a encontrar meu caminho”.

Ele se formou em 1913, mas estendeu sua educação com viagens por toda a Itália, incluindo uma viagem à Bienal de Veneza.

Essas viagens se mostrariam importantes mais tarde, já que, após a década de 1920, Morandi raramente viajava internacionalmente. Logo, a maior parte de sua exposição subsequente aos artistas veio através de livros de arte.

Em particular, ele estudou o trabalho dos impressionistas como Claude Monet. E depois grandes nomes como Paul Cézanne e Georges Seurat.

Ele também viajou pela Itália, principalmente para visitar museus e exposições. Aliás,  foi muito mais viajado do que alguns relatos históricos o fazem parecer.

O início da carreira de Morandi foi interrompido quando ele foi convocado para o exército italiano durante a Primeira Guerra Mundial.

Como um indivíduo altamente privado, a vida militar comunal não estava de acordo com ele. Pouco depois teve um colapso que resultou em uma rápida dispensa do serviço. E forçou uma desaceleração de sua produção artística nos anos seguintes.

Sobre o que leu a respeito de Giorgio Morandi, conte-nos o que mais lhe chamou atenção. Até breve!

Benini & Donato Cidadania Italiana

Resgatando suas origens

Processos de direito ao reconhecimento de cidadania italiana:

I – Processo administrativo no Brasil via consulado italiano;

II – Processo administrativo na Itália via comune;

III – Processo Judicial na Itália no Tribunal de Roma via “materno” ou “paterno” contra as filas consulares.

A Pintura Metafísica traz a vida moderna e urbana do século XX em forma de pintura, com cores diversas, atrativas e envolventes.  Desse modo, tem a figura mais emblemática cujo nome é Giorgio de Chirico.

E aqui continuamos abordando sobre esse movimento inovador e colorido, além de enigmático sobre o nosso cotidiano! Assim sendo, o blog Benini & Donato Cidadania Italiana abordará nesta Parte II sobre outros artistas, seus conceitos e estilos.

Portanto, confira abaixo mais detalhes e, se ainda não leu a Parte I, convidamos a clicar Aqui e ler.

Pintura Metafísica – Outros artistas desse movimento

Carlo Carra

Quando a Primeira Guerra Mundial estourou, tanto de Chirico quanto seu irmão mais novo, Alberto Savino, retornaram à Itália para se alistar. Assim sendo, em 1917, enquanto convalescia em um hospital militar em Ferrara, os dois conheceram Carlo Carrà e Filippo de Pisis.

Desse modo, De Chirico e Carrà começaram a trabalhar juntos quando fundaram a Metaphysical Painting. Carrà. E que havia sido cofundador e líder do futurismo italiano.

Então, ele começou a buscar uma nova direção artística por volta de 1915, estudando as obras do século XIV e de mestres italianos do século. Logo, adotou vários elementos iconográficos de De Chirico, ao mesmo tempo em que suas figuras mais modeladas e paleta de cores mais claras introduziam um novo elemento ao movimento.

No entanto, alguns críticos, incluindo a historiadora de arte Jennifer Mundy, sentiram, como ela escreveu, “suas obras careciam do senso de ironia e enigma de De Chirico, e ele sempre manteve uma perspectiva correta”.

Valori Plastici – Uma revista sobre a Pintura Metafísica

Em Milão, em 1918, Mario Broglio fundou a Valori Plastici, uma revista que publicou extensivamente as fotos e ensaios de Chirico e Carrà. E atingiu um público de arte pequeno, mas influente.

Sendo assim, Broglio também abriu uma galeria em Roma com o mesmo nome, que realizou várias exposições Metafísicas que viajaram para a Alemanha;

E que levaram o trabalho de Chirico à atenção do grupo dadaísta , incluindo Max Ernst .

Ao mesmo tempo, a revista desempenhou um papel inadvertido na dissolução do movimento metafísico. Em 1917, Carrà foi afastado do exército e partiu para Milão, onde realizou uma exposição de suas obras em 1917.

Então, incluindo seus primeiros trabalhos futuristas e suas peças metafísicas recentes. Além disso, também publicou uma série de ensaios, enfatizando seu papel no desenvolvimento do movimento em Valori Plastici.

Como resultado, os críticos começaram a creditá-lo como o fundador da Pintura Metafísica. E em 1919 ele publicou um livro, Pittura Metafisica (Pintura Metafísica).

Assim sendo, deu maior ênfase à sua afirmação. Logo, permanecendo em Ferrera até o fim da guerra, a primeira exposição de de Chirico não foi realizada até 1919 em Roma.

E, a essa altura, a hostilidade havia eclodido entre os dois artistas. Por fim, o movimento chegou ao fim oficialmente, porém, paradoxalmente, quando começou a atingir um público europeu maior.

Conceitos e Estilos na Pintura Metafísica – Iconografia

O Vidente (1914-15), de Giorgio de Chirico, representa o vidente, figura que associa ao artista, como manequim.

De Chirico desenvolveu sua própria iconografia, usando uma série de objetos do cotidiano: peixes, estátuas, manequins. Também espelhos e elementos arquitetônicos em surpreendentes justaposições para criar uma sensação de ambiguidade e mistério.

Esses motivos foram amplamente adotados por todos os pintores metafísicos. Então, De Chirico se esforçou para diferenciar seus motivos de suas associações culturais estabelecidas.

A iconografia do artista ficou assim ligada à sua visão interior, pois em 1909 ele começou a reduzir, como escreveu o historiador da arte Paolo Baldacci, “toda forma a um arquétipo”, que ele poderia empregar em várias obras ao longo de sua vida.

Além disso, as estátuas eram predominantes em seus primeiros trabalhos, como escreveu o historiador de arte Adriano Altamira; chamaram a atenção para “uma ficção dentro de uma ficção”.

Em 1914, de Chirico começou a usar manequins, o que potencializou ainda mais o efeito. E, chamando a atenção para o objeto encontrado como uma construção dentro da construção espacial de uma pintura, como observou Altamira: “A ficção dentro da ficção torna-se real, assim como duas negações se anulam”.

Natureza morta

Grande Interior Metafísico (1917) de Giorgio de Chirico compõe de forma inovadora um conjunto de pinturas como natureza morta. Logo, na Pintura Metafísica, a natureza morta assumiu o papel de criar justaposições inesperadas, como visto em A Conquista do Filósofo, de de Chirico (1914).

E onde duas grandes alcachofras são colocadas ao lado do cano de um canhão cercado por balas de canhão dentro de uma praça italiana.

Durante seu período metafísico, Giorgio Morandi, o mais famoso dos pintores italianos de natureza morta, adotou aspectos da iconografia de Chirico.

Ademais, seu uso de formas geométricas, (1918) onde a cabeça de um manequim, juntamente com uma bola e uma bússola, é exibida em uma caixa.

Retrato

O retrato não era o foco principal da pintura metafísica, mas obras como o retrato premonitório de de Chirico de Guillaume Apollinaire (1914) tiveram um impacto influente.

Logo, retratando a figura de forma realista, os retratos também continham justaposições incomuns, como a coluna de mármore com um grande molde de gesso de um peixe.

E uma concha emoldurando Apollinaire, e um perfil de sombra acima dele com um desenho semelhante a um alvo em sua testa.

Como resultado, as obras evoluíram para um mero retrato para um novo nível no qual se aludia a conotações psicológicas ou outras associações misteriosas.

Os surrealistas viam o retrato de Guillaume Apollinaire como uma premonição da morte do poeta. Então, adotariam abordagens semelhantes aos retratos como visto no Retrato de André Breton de André Masson (1941).

E apresentando o fundador do Surrealismo como uma cabeça de gesso dupla face sobre uma mesa.

Paisagem na Pintura Metafísica

Giorgio de Chirico viu A Torre Vermelha (1913) como uma homenagem a Nietzsche que viveu lá por um período de tempo. Logo, escreveu sobre sua poderosa atmosfera.

A pintura de paisagem metafísica poderia ser mais apropriadamente caracterizada como pintura de paisagem urbana. Até porque os pintores associados ao movimento retratavam as praças e a arquitetura das cidades italianas.

E, muitas vezes, com alguns elementos de modernização, incluindo trens, chaminés de fábrica ou um edifício alto vislumbrado ao longo do horizonte ou através de uma janela.

Logo, esses elementos davam às obras um ar de modernidade, ao mesmo tempo em que se situavam de forma ambígua em um contexto que evocava o passado clássico.

Por exemplo, A Torre Vermelha (1913), de Chirico, que evoca tanto a famosa torre Mole Antionelliana, quanto uma torre do século XIX. Por fim, a estátua do século XIX de Carlo Alberto que foi reconfigurada e colocada junto a uma quinta no sopé de uma colina.

Finalizamos essa arte tão enriquecedora, a Pintura Metafísica. Sendo assim, se você quer comentar algo sobre, fique à vontade!

Benini & Donato Cidadania Italiana

Resgatando suas origens

Processos de direito ao reconhecimento de cidadania italiana:

I – Processo administrativo no Brasil via consulado italiano;

II – Processo administrativo na Itália via comune;

III – Processo Judicial na Itália no Tribunal de Roma via “materno” ou “paterno” contra as filas consulares.

Novamente, você terá mais pontos turísticos em Bolonha, na Itália, nesta Parte II. Assim sendo, o blog Benini & Donato Cidadania Italiana preparou mais alguns atrativos para curtir em Bolonha, na Itália.

E se ainda não leu a Parte I, convidamos a acessar aqui e descobrir outros atrativos para que sua viagem seja inesquecível.

Pinacoteca Nacional é um dos pontos turísticos em Bolonha

As primeiras exposições do museu começaram a estarem sendo formadas no final do século XVIII. Em seguida, telas de altar que datam do século XV entraram na galeria de arte.

Com o tempo, a exposição do museu, reabastecida. Logo, hoje a Pinacoteca Nacional de Bolonha ocupa as primeiras posições no ranking dos melhores museus de arte da Itália.

No interior, o museu está dividido em várias partes. Assim sendo, um deles abriga pinturas dos séculos XIII e XIV. Outra parte está sendo dedicada à pintura renascentista.

Além disso, a seção de artistas maneiristas, obras feitas no estilo barroco e a seção de arte do século XVIII encontraram um lugar na Pinacoteca Nacional.

Museu Arqueológico da Cidade

O museu está localizado no edifício Palazzo Galvani, que fica a poucos passos da central Piazza Maggiore. Assim sendo, o edifício foi amplamente renovado no final do século XVIII, após o que muitas exposições foram transferidas para cá.

Desse modo, o edifício tem 18 quartos, 12 dos quais dedicados a temas arqueológicos. E aí você pode encontrar a maior exposição de exposições dedicadas ao Egito.

Então, por exemplo, máscaras dos faraós, que têm mais de 3 mil anos. Por fim, você também pode mergulhar na história da Roma Antiga e da Grécia Antiga no museu.

Palacco Re Enco

O governante da Sardenha chamado Enzo, que deu nome ao lugar, foi preso neste palácio. Então, foi preso por 23 anos até morrer em 1272.

Logo, o palácio foi muitas vezes sujeito a mudanças. Assim, no século XIV, uma das instalações estava sendo reconstruída e o arquivo da cidade estava sendo colocado no seu interior.

Em 1771, ocorreu a reconstrução do último andar. E, no início do século XX, a aparência do Palazzo Re Enzo sofreu alterações.

Hoje, o palácio com uma área de 2.500 metros quadrados é usado como local para várias exposições e eventos. Ademais, é uma atração turística popular em Bolonha.

Palazzo Comunale

Outro palácio imperdível em Bolonha está localizado na praça principal da cidade. Hoje abriga a Câmara Municipal de Bolonha.

A par da parte administrativa, as instalações do palácio são ocupadas por uma galeria de arte com pinturas dos séculos XIII-XIX, aberta à visitação.

Então, nos dias em que não há reunião do Conselho, qualquer pessoa pode visitar a sala de reuniões e até sentar na cadeira do prefeito.

Inicialmente, o palácio foi a residência do famoso professor de Bolonha Franciscus Accorzo. Após sua morte, o prédio passou a ser administrado pela cidade.

Assim sendo, os anciãos da cidade começaram a se sentar nesse lugar. E, em seguida, a administração da cidade, que não sai do Palazzo Comunale até hoje, estava sendo localizada.

Palácio Podesta é mais um entre os pontos turísticos em Bolonha

Não muito longe da praça principal, você pode chegar a outro palácio – Palazzo Podesta. Assim sendo, essas casas foram construídas como residência dos chefes da administração da cidade.

Em 1245, o Palazzo Re Enzo, que discutimos anteriormente, estava sendo adicionado ao palácio. Agora, o prédio tem dois andares.

Os bancos dos comerciantes costumavam estar localizados no primeiro andar, hoje várias lojas estão abertas. No segundo andar há um grande salão espaçoso.

Jardins de Margarita

Se de repente você se cansar de visitar monumentos antigos, pode respirar ar puro no parque da cidade mais famoso de Bolonha. Assim sendo, exposições e eventos são frequentemente realizados no parque, devido a que os Jardins Margarita experimentam um grande afluxo de turistas e moradores locais.

Há playgrounds para crianças. Além disso, você pode relaxar após um dia duro caminhando ao redor da lagoa. Também desfrutar das vistas maravilhosas dos Jardins Margarita em um dos vários cafés.

Portão de Saragoça é também um dos pontos turísticos em Bolonha

O Portão de Saragoça foi herdado pela cidade da longa muralha que cercava Bolonha na Idade Média. Desse modo, o edifício remonta ao século XIII.

Ao mesmo tempo, o portão foi complementado com uma extensão e construída uma ponte levadiça. Além disso, lançada sobre o fosso em frente ao muro.

Nos séculos XVII e XVIII, foi construída uma galeria, na qual foi posteriormente colocado o ícone da Virgem Maria, feito pelo mestre Luka.

Naqueles dias, muitos peregrinos vinham adorar o ícone, razão pela qual o portão estava sendo chamado de “Portão Santo”. Em meados do século XIX, ocorreu uma reconstrução em grande escala.

E como resultado da qual a aparência dos portões de Saragoça mudou significativamente. Em 1883, uma linha de bonde a cavalo foi aberta através dos portões.

Museu da Idade Média em Bolonha

Entre todos os pontos turísticos em Bolonha, visite o Museu da Idade Média. Desde 1985, o Palazzo Guizilardi, construído no século XV, é a residência permanente do museu.

O edifício do museu está sendo dividido em 4 partes. No primeiro andar, os visitantes podem conhecer a história do próprio museu.

Depois de caminhar um pouco mais, você se encontrará em uma sala dedicada à história da Bolonha medieval. Na exposição do museu você pode encontrar exposições inusitadas.

Por exemplo, você verá as esculturas de professores falecidos da Universidade de Bolonha. Em uma das salas do museu há uma majestosa fonte do século XIII. Finalizamos essas duas partes sobre os pontos turísticos em Bolonha, na Itália. E compartilhe conosco se já visitou algum desses lugares ou quais lhe interessou.

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